Nice & Easy Music

Kitty, Daisy & Lewis es la banda inglesa integrada por los hermanos Kitty, Lewis y Daisy Durham. Su música está fuertemente influenciada por el R&B, swing, country, blues y rock ‘n’ roll y su estilo se aproxima al Rockabilly Revival, al Country vintage y a la primera generación de blues. Sus principales referencias son los "tres Louis": Louis Jordan, Louis Prima y Louis Armstrong pero podrían nombrarse otros como Ray Charles, Muddy Watters, Elvis, Johnny Cash y Sam Cooke. Los tres hermanos se reparten los instrumentos y cambian sus papel de vocalista e instrumentalista en cada canción. Kitty Durham de16 –la más joven del grupo– normalmente canta y toca la harmónica, la batería o percusiones, el ukelele, banjo, trombón y la guitarra. Lewis (de 19) canta ocasionalmente y toca la guitarra, la guitarra lap steel, el piano, bajo, batería y percusiones. Por último Daisy (21 años) es la mayor del grupo, canta y toca la batería, el piano, el acordeón y el xilófono, ocasionalmente invitan a sus papás a tocar con ellos. Cabe destacar que no utilizan ningún formato digital en la grabación de sus canciones, todo se realiza de forma analógica: Lewis es un fanático de los vinilos y graba sus canciones en formatos totalmente obsoletos; esto y su afición por la música vintage le llevó a publicar una recopilación titulada A to Z - Kitty, Daisy & Lewis - The Roots of Rock 'n' Roll, el cual fue nombrado álbum del año 2007 por The Guardian (periódico británico).

Kitty, Daisy y Lewis fueron criados en una familia en la cual la música era parte de su día a día: su padre –Graeme Durham– es guitarrista e ingeniero en jefe en The Exchange Recordings, uno de los mejores estudios de grabación de Londres, mientras que su madre (Ingrid Weiss) tocaba la batería con el grupo punk The RainCoats. En el 2002, mientras asistían a una sesión de The Arlenes con sus padres, Lewis y Kitty fueron invitados a unirse a ellos en el banjo y en la percusión, respectivamente, tocando el tema Folsom Prison Bluesm, así surgió la idea de formar un grupo de música, Daisy aprendería más tarde a tocar el acordeón. Los hermanos demostraban gran talento y recordaban a una época pasada, no hacían música corriente, así que comenzaron a ser famosos en el mundillo del country en Inglaterra. Esto les llevó a grabar su primer single en su propio estudio en casa, Honolulu Rock, cuando Kitty tan solo tenía doce años, Lewis catorce y Daisy dieciséis. Un año más tarde, salió a la luz su segundo single, Mean Son of a Gun, el cual se publicó en un formato de 7 pulgadas a 45 rpm y una edicion limitada de 10 pulgadas a 78 rpm. El tercer single vino en Julio de 2008, Going Up the Country, como un prólogo a su primer disco, el cual salió a la venta poco después.

Kitty, Daisy & Lewis – Kitty, Daisy & Lewis

Fuente: wikipedia

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Los Byrds fueron sin duda una de las bandas más importantes de los 60 en la escena norteamericana ya que suele atribuirse en gran medida a ellos el nacimiento del folk rock, el country rock y el rock psicodélico; y como no iba a ser si tuvieron entre sus líneas a dos figuras importantísimas para el country rock: el legendario Gram Parsons (más tarde formaría la International Submarine Band y los Flying Burrito Brothers) y el talentoso David Crosby (más conocido por su trabajo en Crosby, Stills & Nash) además de ostentar estos títulos, los Byrds también fueron considerados en cierto momento la respuesta americana a los Beatles.

El primer boceto de The Byrds fue The Jet Set, un trío de folk formado por Roger McGuinn, Gene Clark y David Crosby, más tarde se les unirían el bajista Chris Hillman y el batería Michael Clarke para formar la alineación original del grupo, los tres primeros eran confesos admiradores de la naciente ola inglesa, en especial de los Beatles y gracias a eso decidieron “electrificar” su folk acústico y de ahí nació el folk rock. Sin embargo algo le faltaba al sonido de los Byrds y fue hasta que vieron A Hard Day’s Night que McGuinn se dio cuenta que George Harrison usaba una Rickenbacker 360/12, de inmediato corrió a comprar la suya pero no encontró el mismo modelo, sin embargo adquirió la que estaba en la tienda y es la misma que utiliza Harrison en If I Needed Someone (una canción que puede definir en cierta medida el estilo de los Byrds).

Los Byrds fueron mejorando mientras la gente los empezaba a identificar como un grupo que tocaba muy parecido a los Beatles, incluso Bob Dylan (a quien también admiraban y lo hacen constar con covers) acudió a verlos en una ocasión al estudio donde tocaban para constatar lo que se decía sobre ellos. Su productor Jim Dickson jugó un papel importantísimo pues no solo les facilitó las cosas para sus primeras grabaciones sino que también les prestó dinero para comprar mejores instrumentos con lo que su sonido mejoró notablemente, una noche luego de su primer concierto Dickson los llevó a conocer a un amigo suyo, el empresario Ben Shapiro quien podría conseguirles más tocadas. Mientras los Byrds cantaban frente a Shapiro la hija del mismo bajó de inmediato emocionada creyendo que eran John, Paul, George y Ringo quienes estaban en su casa. Al día siguiente Shapiro le contó la historia al jazzista Miles Davis quien a su vez habló con un reconocido ejecutivo de Columbia Records y le contó que había “unos Beatles californianos rondando por ahí… sin contrato”. La noticia llegó a Allen Stanton quien era jefe de fichajes de la compañía en la costa oeste, de inmediato acudió a Jim Dickson y el 10 de noviembre los Jet Set fueron fichados por Columbia Records, el 26 del mismo mes cambiaron su nombre por The Byrds. La hora de saltar a la fama había llegado y el encargado de grabar el primer sencillo de los Byrds fue Terry Melcher, un conocedor del pop y el surf. Tanto Melcher como Dickson querían grabar su versión de la canción de Dylan, Mr. Tambourine Man, aunque a los músicos no les había gustado mucho cuando lo hicieron previamente. Cuando se grabó todos los integrantes del grupo estuvieron presentes, sin embargo solo McGuinn tocó su Rickenbacker, el resto corrió a cargo de músicos de sesión ya que la disquera no quería “correr riesgos”, a pesar de la molestia de los Byrds, el resultado fue por demás bueno desde el bajo, la melodía, el ritmo y la voz, dando pie al nacimiento del folk rock.

Luego de un retraso en el lanzamiento, Mr. Tambourine Man es lanzado como single en abril de 1965 y sorpresivamente los Byrds logran fama a nivel mundial llegando a los primeros lugares, conquistando primero California, luego el resto de USA y finalmente el Reino Unido. El éxito de su sencillo hizo que los colocaran a la par de los Beatles (a pesar de que para ese momento el cuarteto de Livepool iba por su cuarto LP) además de que la imagen del grupo era también cautivadora a su propio manera, donde destacaban los lentes rectangulares de Roger McGuinn y la capa de David Crosby así como sus peinados. Luego del éxito –y ahora si a la segura– es lanzado el LP que lleva el mismo título, logrando colocarse en la séptima posición en Inglaterra y sexta en USA. A grandes rasgos el disco se divide en dos partes: las composiciones originales, en su mayoría de Gene Clark y los covers de las rolas de Bob Dylan, aunque hay otros dos covers que no son de Dylan: Don't Doubt Yourself, Babe de Jackie DeShannon y We’ll Meet Again de Vera Lynn. Quizá llegue a se algo debatible lo del nacimiento del folk rock, pues muchos también lo atribuyen a George Harrison pues incluso fue el quien empleó primero la Rickenbacker de 12 cuerdas (la 360/12 que aparece en la película) y el mismo Roger McGuinn ha dicho que fue su influencia, sin embargo para los Beatles representó algunas canciones mientras que los Byrds lo convirtieron en un género.

The Byrds, Mr. Tambourine Man

Fuente: pues la Wikipedia, que más

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The Legend Of Yeti Gonzales es un album genial con 14 magníficas rolas(algunas aparecen en Yume!) que suenan como una rara mezcla entre los Beatles, los Flying Burrito Brothers y los Zombies, esto derivado del estilo de la banda que abarca desde el pop hasta el country y el western con un poco de psicodelia incluída. Este disco si es el debut oficial en long play y vaya que es muy buen debut, con todo el sabor de los 60’s y un sonido muy similar al de la época, pues incluso grabaron intencionalmente las rolas con baja fidelidad, lo cual le da un toque aún más retro aunque a decir verdad si me hubiera gustado escuchar las canciones con un poco más de calidad en el sonido, principalmente las inéditas. Para muchos Yeti es solo “la banda del ex-bajista de los Libertines” pero a estas alturas ya merecen ser considerados como una de las mejores bandas contemporáneas y dejar de lado la historia de Hassall con los Libertines, pues el estilo es muy distinto y desde mi punto de vista está intentando hacer historia por su propia cuenta, de una cosa no hay duda: todos los proyectos que surgieron a partir de la disolución de la banda inglesa han llamado bastante la atención y son buenos trabajos, lo cual demuestra que en realidad los integrantes de los Libertines son unos genios, empezando con Pete Doherty aunque yo prefiero el estilo de John Hassall.

El disco abre con Obviously, una de las más beatlescas de la banda, pero estoy hablando de los Beatles del ‘62 al ‘65 por lo que pueden imaginarse el sonido muy al estilo de I’ve Just Seen A Face y What Goes On?, con muy buenas armonías vocales y buenos riffs, la guitarra acústica es esencial en este tipo de canciones. Después llega la épica Don´t Go Back To The One You Love –una de las mejores de Yeti-, una excelente canción vaquera con todo el sabor western que los caracteriza pero ahora mucho más revolucionados que en sus otros rolas, destacan detalles como el whistle que acompaña en toda la canción lo que le imprime aun más ese toque vaquerito y muy buenos arreglos en el piano y la trompeta, el ritmo trepidante es genial y el cambio de ritmo donde sacan el acelerador por completo para convertir la rola en balada es también bastante atractivo, esta canción es una verdadera obra maestra. Till The Weekend Comes es otra rola sesentera muy al estilo de The Zombies, sobresalen las triples armonías vocales a lo largo de toda la canción, el ritmo es tranquilo y muy disfrutable. Merry Go Round es la primera de las que fueron regrabas, a decir verdad disfruto más la versión del Yume! pues en esta le quitan uno que otro arreglo por lo que suena un poco más “simple” que la otra, sin embargo el trabajo en la parte vocal sigue siendo fenomenal pues las triples armonías son precisas y están muy bien elaboradas. De igual forma In Like With You aparece un poco más desaliñada que la original, de hecho suena más como si fuera una grabación en vivo que de estudio por lo que en mi opinión hubiera sido mejor dejarla como estaba. Volviendo a sus influencias y a lo “viejito” aparece Shane MacGowan, un pequeño tributo al que fuera vocalista de The Pogues; esta canción es un muy buen country rock que recuerda a los excepcionales Flying Burrito Brothers y las clásicas armonías vocales usadas en el country. Midnight Flight vuelve a aparecer en este disco, y esta es una rola excepcional que recuerda al rock & roll en sus primeros años, sin embargo creo que es mejor la primera versión, de hecho prácticamente todas las canciones que fueron regrabadas en general bajaron un poco de calidad, no solo por la cuestión del sonido sino que las “desnudaron” quitándoles algunos arreglos muy chidos. Jermyn Girls no pierde mucho en comparación al demo previamente grabado, salvo que le bajaron un poco la velocidad sigue siendo una extraordinaria canción de pop, lo mismo sucede con Never Lose Your Sense Of Wonder –una de las mejores de la banda- pues el ritmo es más lento y suena un poco más opaca que la anterior aunque en esta versión les quedaron mejor los coros. Reprise es un pequeño número instrumental muy agradable que principalmente sirve para el lucimiento del bataco y la guitarra, al final se escucha el efecto de una radio sintonizando distintas estaciones donde se escuchan las canciones del grupo. Can’t Pretend es otra clara muestra del gusto de la banda por la música sesentera, una muy buena pieza que en general suena al verano del ‘67 en E.U. Sister Sister es la canción más beatlesca del grupo, muy al estilo de With a Little Help With My Friends, incluso cuenta con una muy buena sección de metales y el ritmo es bastante agradable, cabe señalar que esta rola es la única conexión que existe entre los Libertines y Hassall pues en realidad es parte de las sesiones Legs 11 y es la única canción donde John cantó mientras estuvo con los Libertines. Con The Last Time You Go sucede lo mismo: distintos arreglos pero en general suena mucho mejor la original. Who Is Gonzales cierra el disco a manera de hidden track, algo muy previsible cuando ves que la canción dura casi 13 minutos –algo inusual para la banda- y la verdad es que resulta innecesario un silencio tan prolongado, luego de más de 8 minutos inicia la rola que en realidad es un tributo a Star Wars, un tributo acústico que de hecho presenta diálogos originales de la película. De esta manera termina el disco, que en general es bastante bueno, fue interesante escuchar nuevas versiones y escuchar las rolas inéditas, lo que es seguro es que la banda ha dejado un estándar muy alto para sus siguientes producciones por lo que no la tendrán nada fácil pero creo que ese es un reto que a cualquier banda le gustaría tener.

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Gram Parsons es el padre del country rock. Como no va a serlo si el fue el primero en formar una banda de este género, la International Submarine Band, de ahí paso a los Byrds y con el en la voz grabaron el primer disco de rock orientado hacia country, Sweetheart of the Rodeo, después dejó a los Byrds y en 1969 cumplió su sueño: formar una banda que solo tocara country rock y la banda se llamó The Flying Burrito Brothers. Solo existe un pequeño detalle, los Flying Burrito Brothers originalmente eran los ex-compañeros de Parsons en la International Submarine Band pero Parsons tomó “prestado” su nombre, al tiempo que su banda iba ganando fama los originales tuvieron que moverse al noreste de E.U. tocando su versión ecléctica de rock donde mezclaban la música tradicional con rockabilly, R & B y blues, y finalmente se hicieron llamar Flying Burrito Brothers East.

Al mismo tiempo el grupo de Parsons se volvió más famoso cada día, se sumergieron en sus propios pensamientos en su casa en el valle de San Fernando y se vistieron apropiadamente para la ocasión con trajes country-western -llenos de los clásicos adornos brillantes de estos trajes- que fueron diseñados por el famoso Nudie Cohn quien también diseñaba los trajes vaqueros de Elvis, de Johnny Cash, John Lennon y el mismo Gram Parsons en su época de solista. Cabe señalar que el traje de Parsons en este disco está adornado con un envoltorio de mariguana. El grupo grupo estaba formado entonces por Gram Parsons quien era la voz, guitarra rítmica y se encargaba del piano y el órgano, Chris Hillman también era voz líder, rítmica, mandolina y la harmónica, Sneaky Pete Kleinow y su pedal steel guitar, Chirs Ethridge al bajo y piano y el baterista de los Byrds Michael Clarke completaba la alineación. La banda tendría muchos cambios en su alineación, incluyendo la salida de Parsons en el ‘70.

Gilded Palace Of Sin no se vendió muy bien pero el grupo se ganó admiradores de la talla de Dylan y los Rolling. Con este disco Parsons consolidó lo que había iniciado con la International Submarine Band, donde había edificado las bases del movimiento country rock, pero ya con los Flying demostró todo su talento y creó uno de los mejores e influyentes discos del género con 11 canciones country rockeras en las que por momentos le añade toques de folk, soul, R & B y gospel. Como compositor Parsons realizó unos de sus mejores trabajos en este album, muestra de ellos son Hot Burrito #1 y Hot Burrtio # 2, dos muy buenas baladas donde mezcla las aflicciones clásicas del country con el sentimiento contemporáneo de ira y confusión que en general sentían los jóvenes en esa época. La protesta social se hace presente con Sin City, otra balada country donde Parsons se saca del pecho la frustración que sentía por vivir en una ciudad que literalmente se estaba volviendo loca, y en general critica la corrupción que hasta hoy existe en nuestra sociedad y el creciente capitalismo. Los covers de clásicos del R & B de Dan Penn, Dark End Of The Street y Do Right Woman, son los ejemplos perfectos de su mezcla soul-country donde Parsons desata su lado sensible y afligido, una mezcla a la que se refería como la música cosmo-americana. Mi favorita es la vaquera Christine’s Tune, una excelente mezcla de country, folk y todo el fuzz piscodélico, solo le bastan tres acordes para lograr una magnífica composición donde aborda de forma directa la maldad que puede existir en una mujer: “ella es un demonio disfrazado, puedes verlo en sus ojos, ella dice sucias mentiras, es un demonio disfrazado. Una mujer como esa todo lo que hace es odiarte, ella no sabe lo que a un hombre lo hace hombre, ella hablará de las veces que ha estado contigo y dirá tu nombre a todo el que pueda, es un demonio en un disfraz y tu puedes verlo en su mirada”. Destaca el country a todo lo que da en My Uncle, una protesta hacia la guerra y cierran el disco con el maravilloso gospel de Hippie Boy, una mirada introspectiva hacia fines de los 60’s y que narra como murió el sueño americano.

Parsons tuvo la suerte de que sus compañeros compartieran su visión y no solo se limitaran a tocar junto a el, la distorsión y el fuzz de la guitarra de pedal de Sneaky Kleinow es el puente perfecto entre el country y el rock psicodélico, la voz de Hillman y sus coros se funden a la perfección con la voz de Parsons para crear bellas armonías vocales, pero además contribuyó en la mayoría de las canciones de Parsons. A pesar de que este disco no fue adoptado por la cultura popular de los 60’s, muchas bandas fundaron su sonido en este disco y después gozarían del éxito que en su momento no tuvieron los Flying Burrito Brothers (los Eagles son un ejemplo), pero sin duda nadie ha logrado fusionar el rock y el country tan genialmente como lo hicieron estos tipos. Disco plenamente recomendable para afinar nuestros oídos y expandir nuestros gustos musicales.

The Flying Burrito Brothers, Gilded Palace Of Sin

Fuente: Wikipedia

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Luego de que los Libertines decidieron separarse sus miembros continuaron en activo en distintas participaciones especiales o con nuevos proyectos, de lo que derivaron bandas bastante interesantes como los Babyshambles, Dirty Pretty Things, The Chavs y por supuesto a la que le toca este post: Yeti. La banda fue formada en el 2004 por el bajista ex-Libertine John Hassall en la voz junto a Brendan Kersey al bajo, Andrew Deian Cannes en la eléctrica y voz, Mark Harmony Underwood (ex - Harmony Williams) en la acústica y voz y el baterista Graham Blacow se unió a la banda luego de ver en los clasificados que una banda buscaba bataco. Al inicio Hassall fue el compositor principal pero pronto Mark Underwood comenzó también a escribir y cantar sus propios temas, entre ellos Insect – Eating Man y The Last Time You Go. Mientras Deian también sacó algunas rolas entre las que destaca la vaquera Don’t Go Back To The One You Love y Jermyn Girls. El sonido de la banda se define como beat pop con una base acústica y un toque de psicodelia de los 60’s más triples armonías vocales bastante atractivas. Lo mejor que le pudo pasar a la banda fue que cada integrante contribuyera con sus respectivas influencias: Hassall es conocido por su amor hacia los Beatles, Underwood es un experimentado en el teatro musical, Deian provee un toque de psicodelia western o vaquera con su guitarra eléctrica y Blacow le imprime un toque setentero en la batería con el sello de Zeppelin. El sonido de la banda efectivamente muestra una evidente influencia de bandas como The Beatles, The Flying Burrito Brothers, The Byrds y The Zombies.

Los Yeti debutaron con el single Never Lose Your Sense Of Wonder en marzo del 2005 y ese mismo año lanzan Keep Pushin’ On en agosto. A fines del 2006 lanzan una edición limitada de su EP One Eye Of The Banquet. En el 2007 Brendan Kersey dejó la banda para unirse a la banda londinesa The Early Years, por lo que Hassell asumió el bajo. En agosto del mismo año lanzan en Japón el LP recopilatorio Yume! acompañado de presentaciones en Tokyo, Fukuoka, Kyoto, Sapporo y Yokohama para promover el disco que de inmediato se convirtió en un éxito en tierras japonesas. Su grabación más reciente es The Legend Of Yeti Gonzalez, un disco de bajo presupuesto, en un plano más relajado y de baja fidelidad que suena más a una grabación original de los 60’s que a una moderna.

El disco arranca con Never Lose Your Sense Of Wonder, una rola de aires folk con gran intro de acústica arpegiada que deja su lugar a un muy buen riff y de ahí en adelante se convierte en una delicia de canción con toques de country rock. Le sigue In Like With You otra rolita tipo country western con muy buenos riffs en la eléctrica, el ritmo del bataco es perfecto pues en verdad suena como una rola vaquera donde destaca el cambio de ritmo. Merry Go Round es una canción más tranquila con bellas armonías vocales que recuerdan las canciones de Crosby, Stills & Nash, de nuevo meten el acelerador al cambiar de ritmo. Sorprende la fuerza con que entran en Keep Pushin’ On, una suerte de ska que se aleja del estilo pero de inmediato retoman con The Last Time You Go, una magnífica pieza country rock imprimiéndole más velocidad que en las rolas anteriores y con un intro bastante pegajoso, fue la primer rola que escuché de los Yeti. De nueva cuenta se salen del molde con Up And Down, una rola mucho más noventera que se acerca al estilo de The Rooks o The La’s y sin mucho que destacar, Midnight Flight una rola de excelente manufactura donde el bataco y el bajista son la base de la canción, el western se hace presente con Forgotten Melody, una baladita estilo Flying Burrito Brothers con excelentes armonías vocales y muy buen solo de guitarra. Song For The Dead sigue la misma línea del country aunque no le encuentro mucho que destacar pero a continuación una de mis favoritas y de las mejores del disco Carpet Road que con el puro intro vaquero llama la atención. Otra canción genial y de las favoritas de sus fans es Insect-Eating Man, una canción de tono burlesco con una letra medio extraña pero bastante ingeniosa y la música es muy buena. Jermyn Girls cierra el album, con un inicio vacilante la canción toma forma con el riff introductorio, hasta este momento no se que signifique jermyn, solo se que esta rola me suena a un canción como las que les componían a las chicas ye ye, esas que nacieron en Francia e fines de los 50’s con todo un aparato mercadológico detrás de ellas, si checan bien podría pasar como una canción del género que popularmente llamaron ye ye –al castellanizar los yeah yeah’s de los coros-, el punto es que es una muy buena rola. En general el disco es muy bueno, con un sonido muy retro y agradable, oficialmente no es su debut pues como dije es una recopilación, el debut llegaría más tarde con The Legend Of Yeti Gonzalez.

    Yeti, Yume!

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