Nice & Easy Music

Afortunadamente el legado de los Exploding continúa en manos del único sobreviviente –Terry Six de los Nice Boys– y aunque solo tengan un disco de estudio el sello Dirtnap Records editó un album póstumo con algunos sencillos y versiones alternas rolas que a estas alturas ya son clásicos como I’m A Pretender, Throwaway Style y Modern Kicks. Es verdad que los Exploding no descubrieron el hilo negro del punk, pues existen muchas bandas que al igual que ellos toman elementos de verdaderos héroes del punk, new wave y pop como el de los Undertones, los Ramones y los Buzzcocks, pero los Exploding no solo fundamentaron su sonido en estas bandas sino que lograron imprimirle su sello personal y lograron demostrar el amor que sentían por sus ídolos mientras hacían rolas de muy buen calibre. Con un sonido muy similar a las bandas de mitad de los 70 y del ‘77 los Exploding dejaron un estándar muy elevado parar cualquier banda nueva de punk melódico pues sus rolas están a la altura de cualquiera de la generación dorada de los setenta a pesar de que ninguno de los Exploding había nacido siquiera cuando bandas como los Ramones ya llevaban un buen camino recorrido.

Es triste hablar de los Exploding Hearts en tiempo pasado pues no tuvieron oportunidad de mostrar al mundo todo su talento ni de seguir disfrutando algo que amaban: la música. Supongo que muchos nos preguntamos cuantos discos tan chingones como el Guitar Romantic hubieran sacado, cuantas rolas como I’m A Pretender o Sleeping Ades & Razor Blades hubieran compuesto y que nivel habría alcanzado la banda y sus rolas, pero el hubiera no existe por lo que no queda de otra más que disfrutar del pequeño – y magnífico – repertorio que dejaron para la posteridad. Shattered no es otra cosa que una compilación de singles de la banda y versiones o tomas alternas de algunas canciones del Guitar Romantic, el estilo que predomina en las 8 rolas “nuevas” es básicamente el mismo pero sigue sonando genial, riffs poderosos en la Rickenbacker de Terry Six, coros pegajosos y un ritmo desenfrenado, además de referencias obvias como Sniffin’ Glue, Teenage Faces y Modern Kicks. La mitad del disco lo ocupan las mencionadas versiones alternas de las rolas del Guitar Romantic que son muy parecidas a excepción de una versión considerablemente más lenta de Modern Kicks y una versión más directa de Still Crazy, la otra mitad son los sencillos y demos de la banda. Shattered (You Left Me) es una rola mucho más popera que cualquier otra de los Exploding, muy al estilo de Nick Lowe o los Undertones y su mezcla punk/pop que después sería la base para los Nice Boys, de hecho esta rola suena más a las canciones de Terry Six con su nueva banda. Le sigue We Don’t Have To Worry Anymore otro gran ejemplo de como mezclar el pop con la actitud y el poder del punk, el resultado es un punk melódico bastante bueno que junto a So Bored y Busy Signals se acercan bastante al sonido de los Real Kids. (Making) Teenage Faces y Sniffin’ Glue siguen la misma línea de punk melódico con muy buenos riffs y buen ritmo en la bataca. Por último Your Shadow y Walking Out On Blue (cover de Walking Out Of Love de The Beat) al más puro estilo de los Ramones y su punk rock rápido, simple y directo donde no les toma más de 2 minutos y medio para crear buenas rolas.

Si bien este disco no es tan bueno como el Guitar Romantic tiene muy buenos momentos y supongo que a estas alturas cualquier cosa de los Exploding Hearts ha de ser muy valiosa. Sin duda esta compilación es infaltable para cualquier amante del punk 77 y uno que otro que nos gusta el pop pero sabemos apreciar la buena música, Shattered es un disco con sabor agridulce ya que es inevitable pensar en que se fueron para siempre, afortunadamente nos dejaron muy buenas rolitas y seguro que sus fans los recordarán siempre.

Exploding Hearts, Shattered

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Los Ramones fueron una banda neoyorquina formada en el ‘74 que ostenta el título de ser la primer banda de punk rock en E.U. Junto a bandas como Blondie, Television, Johnny Thunders & The Heartbreakers y la músico/poeta Patti Smith, representan la primer oleada de bandas punk del país vecino, pero sin duda The Ramones es la más importante. Con sus jeans entallados, chamarras de cuero, rolas cortitas, desaliñadas y veloces cimentaron las bases del movimiento en aquel país y a pesar de que no gozaron de un gran éxito comercial los Ramones hoy en día son muy populares pues a gracias a ellos el movimiento y la cultura que se generó alrededor del punk fue una realidad y fueron la principal influencia de la mayoría de bandas punk de los 70’s, como sabemos esta ola punk alcanzó su punto más alto en el ‘77 y no fue por los Sex Pistols –quienes siempre se llevan la gloria– o The Damned –quienes grabaron el primer sencillo punk en UK, New Rose–, fue gracias a los Ramones y fue por ellos que el punk evolucionó.

The Ramones se formó a partir de 2 grupos: los Tangerine Puppetes, una banda de garage que formaron John Cummings y Thomas Erdelyi mientras cursaban la prepa, tiempo después Douglas Colvin se volvería amigo de los dos cuando su familia llegó a vivir al mismo barrio (Queens), por su parte Jeffrey Hyman había formado parte de una banda de glam rock llamada Sniper. El grupo comenzó a tomar forma cuando Cummings y Colvin invitaron a Hyman a formar parte de su banda, así nació la primera formación de los Ramones, con John Cummings en la guitarra líder, Douglas Colvin en la rítmica y vocales, Jeffrey Hyman en la batería y un tal Ritchie –amigo de todos los integrantes- al bajo, aunque al poco tiempo este dejaría la banda, Thomas Erdelyi fungiría como representante del grupo y de hecho fue el quien les consiguió su primer tocada, la cual fue un desastre debido a que Douglas no podía tocar y cantar al mismo tiempo. Con la salida de Ritchie, Douglas Colvin dejó la guitarra para hacerse cargo del bajo y fue el primero en adoptar el apellido Ramone –como lo hacía Paul McCartney bajo el alías “Paul Ramone” en su época con los Silver Beatles– y se llamó Dee Dee Ramone, pronto convenció a los demás de cambiarse el nombre y utilizar el apellido con la idea de que la gente los conociera como The Ramones, Jeffrey Hyman se volvió entonces Joey Ramone y John Cummings se cambió el nombre a Johnny Ramone. Una vez que Dee Dee se dio cuenta de que no podía tocar y cantar al mismo tiempo solo se dedicó a tocar el bajo por lo que Joey quedó como vocalista, dejando el puesto de bataco libre y Thomas Erdelyi entró al quite convirtiéndose en Tommy Ramone. Con influencias como los Beatles, The Velvet Underground y el proto-punk de Detroit liderado por MC5 y The Stooges más el rockabilly de los 50’s, los Ramones empezaron a tocar en forma a partir del ‘74 presentando rolas muy cortas y rápidas –la mayoría abajo de los 2 minutos–, al mismo tiempo un nuevo movimiento musical estaba emergiendo de las calles de New York, siendo 2 clubes los más importantes: el Max´s Kansas City y el famoso CBGB’s, donde los Ramones debutaron un 16 de agosto del mismo año. Tiempo después Legs McNeil –cofundador de la revista Punk– describió el impacto que le causó esta presentación: “…todos llevaban puestas sus chamarras negras de cuero. Y se tocaron esta canción…y simplemente era esta pared de ruido… se veían tan notables. Estos chicos no eran hippies. Esto era algo completamente nuevo.” Las presentaciones del grupo rápidamente se hicieron regulares y al final del año se presentaron en más de 70 ocasiones en el club, luego de llamar considerablemente la atención con sus presentaciones –que no duraban más de 17 minutos– el grupo fue firmado en el ‘75 por Seymur Stein de Sire Records, tiempo después la esposa de Stein sería manager de la banda junto a Danny Fields. A estas alturas los Ramones ya empezaban a ser reconocidos como los líderes de la nueva y creciente escena musical que a la postre el mundo conocería como el punk. En 1976 los Ramones debutaron con su album homónimo que es una explosión alimentada por el poder de la guitarra de Johnny Ramone y una simplicidad genial en todas las composiciones más la característica brevedad de sus rolas, que son un evidente rechazo a la fastuosidad de las composiciones pretenciosas de la época y el creciente rock progresivo donde cada miembro de una banda hacía lo posible por lucirse con su instrumento, derivando en composiciones larguísimas y solos interminables. Joey Ramone dijo alguna vez “nuestras canciones surgen de nuestro sentimiento de alienación, soledad y frustración” en otras palabras compartían lo que la mayoría de los jóvenes sentía en esos tiempos, era música fácil para los tiempos difíciles en que vivían.

14 canciones y poco más 30 minutos les bastaron a los Ramones para crear uno de los mejores albums de punk que jamás se hayan hecho; ritmo vertiginoso, armonías simples, riffs pegajosos y una actitud despreocupada hacen de este disco una joya para los amantes del punk e incluso aunque no lo seas (como yo) resulta chido y refrescante (se que es irónico que algo hecho hace más de 30 años suene refrescante, pero lo es) escuchar rolas así de minimalistas sin ninguna pretensión de por medio más que divertirse y desahogarse arriba de un escenario. El album inicia con la explosiva Blitzskrieg Pop, una asalto de tres acordes que dejan su lugar al pegajosisimo hey go, let’s go! y de ahí en adelante es básicamente la misma fórmula: velocidad, ritmos pegajosos, simplicidad y una que otra estupidez, las canciones son prácticamente una versión muuuuy elemental del rock & roll viejito, pop sesentero y surf rock, los Ramones no solo redujeron estos géneros a su expresión mas simple sino que le imprimieron cierto toque cómico a la cultura pop de la mano de sus letras, ya sea con el horror barato de I Don’t Wanna Go Down To The Basement, asuntos de drogas con 53rd And 3rd, la aparente violencia disfrutable de Beat On The Brat o la estupidez maníaca de I Wanna Sniff Some Glue, por otro lado I Wanna Be Your Boyfriend muestra el lado tranquilo de la banda, con un ritmo y riffs más lentos que el resto de las canciones. Los Ramones no hicieron nada más que volver al origen del rock & roll –antes de los Beatles llegaran a revolucionar la música– y mantienen la misma estructura e intención de los rocanroleros de la old school, la pequeña gran diferencia es que lo hacen más ruidoso y rápido, no deja de ser rock & roll pero en su forma más simple, agresiva, ruidosa y rápida, muy rápida. Sea cual sea la concepción de la música de los Ramones algo es seguro: sus rolas siguen sonando frescas, brillantes, divertidas y terriblemente pegajosas. Luego de las extensas giras Tommy dejó la banda y Mark Bell aka Marky Ramone tomó su lugar; Richie -no Ritchie, el primer bajista-, CJ y Elvis Ramone también fueron miembros posteriores de la banda, aunque no dejaron la misma huella que los miembros originales.

Ramones, The Ramones: Remastered And Expanded

Fuente: Wikipedia, allmusic.com

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The Legend Of Yeti Gonzales es un album genial con 14 magníficas rolas(algunas aparecen en Yume!) que suenan como una rara mezcla entre los Beatles, los Flying Burrito Brothers y los Zombies, esto derivado del estilo de la banda que abarca desde el pop hasta el country y el western con un poco de psicodelia incluída. Este disco si es el debut oficial en long play y vaya que es muy buen debut, con todo el sabor de los 60’s y un sonido muy similar al de la época, pues incluso grabaron intencionalmente las rolas con baja fidelidad, lo cual le da un toque aún más retro aunque a decir verdad si me hubiera gustado escuchar las canciones con un poco más de calidad en el sonido, principalmente las inéditas. Para muchos Yeti es solo “la banda del ex-bajista de los Libertines” pero a estas alturas ya merecen ser considerados como una de las mejores bandas contemporáneas y dejar de lado la historia de Hassall con los Libertines, pues el estilo es muy distinto y desde mi punto de vista está intentando hacer historia por su propia cuenta, de una cosa no hay duda: todos los proyectos que surgieron a partir de la disolución de la banda inglesa han llamado bastante la atención y son buenos trabajos, lo cual demuestra que en realidad los integrantes de los Libertines son unos genios, empezando con Pete Doherty aunque yo prefiero el estilo de John Hassall.

El disco abre con Obviously, una de las más beatlescas de la banda, pero estoy hablando de los Beatles del ‘62 al ‘65 por lo que pueden imaginarse el sonido muy al estilo de I’ve Just Seen A Face y What Goes On?, con muy buenas armonías vocales y buenos riffs, la guitarra acústica es esencial en este tipo de canciones. Después llega la épica Don´t Go Back To The One You Love –una de las mejores de Yeti-, una excelente canción vaquera con todo el sabor western que los caracteriza pero ahora mucho más revolucionados que en sus otros rolas, destacan detalles como el whistle que acompaña en toda la canción lo que le imprime aun más ese toque vaquerito y muy buenos arreglos en el piano y la trompeta, el ritmo trepidante es genial y el cambio de ritmo donde sacan el acelerador por completo para convertir la rola en balada es también bastante atractivo, esta canción es una verdadera obra maestra. Till The Weekend Comes es otra rola sesentera muy al estilo de The Zombies, sobresalen las triples armonías vocales a lo largo de toda la canción, el ritmo es tranquilo y muy disfrutable. Merry Go Round es la primera de las que fueron regrabas, a decir verdad disfruto más la versión del Yume! pues en esta le quitan uno que otro arreglo por lo que suena un poco más “simple” que la otra, sin embargo el trabajo en la parte vocal sigue siendo fenomenal pues las triples armonías son precisas y están muy bien elaboradas. De igual forma In Like With You aparece un poco más desaliñada que la original, de hecho suena más como si fuera una grabación en vivo que de estudio por lo que en mi opinión hubiera sido mejor dejarla como estaba. Volviendo a sus influencias y a lo “viejito” aparece Shane MacGowan, un pequeño tributo al que fuera vocalista de The Pogues; esta canción es un muy buen country rock que recuerda a los excepcionales Flying Burrito Brothers y las clásicas armonías vocales usadas en el country. Midnight Flight vuelve a aparecer en este disco, y esta es una rola excepcional que recuerda al rock & roll en sus primeros años, sin embargo creo que es mejor la primera versión, de hecho prácticamente todas las canciones que fueron regrabadas en general bajaron un poco de calidad, no solo por la cuestión del sonido sino que las “desnudaron” quitándoles algunos arreglos muy chidos. Jermyn Girls no pierde mucho en comparación al demo previamente grabado, salvo que le bajaron un poco la velocidad sigue siendo una extraordinaria canción de pop, lo mismo sucede con Never Lose Your Sense Of Wonder –una de las mejores de la banda- pues el ritmo es más lento y suena un poco más opaca que la anterior aunque en esta versión les quedaron mejor los coros. Reprise es un pequeño número instrumental muy agradable que principalmente sirve para el lucimiento del bataco y la guitarra, al final se escucha el efecto de una radio sintonizando distintas estaciones donde se escuchan las canciones del grupo. Can’t Pretend es otra clara muestra del gusto de la banda por la música sesentera, una muy buena pieza que en general suena al verano del ‘67 en E.U. Sister Sister es la canción más beatlesca del grupo, muy al estilo de With a Little Help With My Friends, incluso cuenta con una muy buena sección de metales y el ritmo es bastante agradable, cabe señalar que esta rola es la única conexión que existe entre los Libertines y Hassall pues en realidad es parte de las sesiones Legs 11 y es la única canción donde John cantó mientras estuvo con los Libertines. Con The Last Time You Go sucede lo mismo: distintos arreglos pero en general suena mucho mejor la original. Who Is Gonzales cierra el disco a manera de hidden track, algo muy previsible cuando ves que la canción dura casi 13 minutos –algo inusual para la banda- y la verdad es que resulta innecesario un silencio tan prolongado, luego de más de 8 minutos inicia la rola que en realidad es un tributo a Star Wars, un tributo acústico que de hecho presenta diálogos originales de la película. De esta manera termina el disco, que en general es bastante bueno, fue interesante escuchar nuevas versiones y escuchar las rolas inéditas, lo que es seguro es que la banda ha dejado un estándar muy alto para sus siguientes producciones por lo que no la tendrán nada fácil pero creo que ese es un reto que a cualquier banda le gustaría tener.

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Bandido es simple y sencillamente una de las mejores bandas de rock que existieron en México, lamentablemente al igual que muchas otras solo grabaron un LP pero con este basta para ser testigos del excepcional talento de estos músicos mexicanos. Existieron otras bandas que seguían la misma línea de este grupo, entre las más destacables 39.4, Lucifer, La Tribu, Tequila y Tinta Blanca, siendo los dos primeros los más similares a Bandido, el caso de Lucifer es especial ya que se formó a partir de músicos talentosísimos (la mayoría de sesión) que utilizaron sus ahorros para rentar un estudio y grabar un disco solo por darle gusto al gusto. En el caso de los otros 3 grupos tenían un sonido un poco más “rockero” mientras que el sonido de Bandido estaba fundamentado en el jazz y el soul, muy al estilo -y al nivel- de Blood, Sweat & Tears.

El grupo se formó en Guadalajara a principios de los 70's y desde el inicio dejaron claro que eran tipos talentosos, esto quedó demostrado en su EP homónimo lanzado en 1972 y que incluía Freedom Now en la cara A y Bandido’s Theme en la cara B, dos muy buenas piezas (y extensas) que también se encuentran en el LP pero son versiones un tanto distintas. Si bien estas dos rolas anticipaban la calidad del long play las dos eran similares, por el contrario canciones como la bella y armoniosa Winter Lady y Morning son distintas y mucho más completas que las anteriores por lo que realmente vale la pena escuchar el disco completito y no quedarse con la idea del EP. Las piezas fundamentales de la banda eran Francisco Kiko Rodríguez, considerado una de las mejores voces del rock mexicano –si no es que la mejor- que es bastante parecida a la del canadiense David Clayton Thomas, igual de importantes o más fueron Ricardo Toral –talentosísimo- al piano, órgano y vibráfono y José Luis Guerrero Nieves en el sax y flauta transversal, el porque de su importancia se debe a que los arreglos estaban a cargo de Toral y Guerrero (a pesar de que no todas las composiciones son de ellos) y por obvias razones la potencia y el feelling de la voz de Rodríguez que destacaba de entre otros vocales de la época. La alineación la completaban Efrén El Oso Olvera en la guitarra, Eugenio El Keno Guerrero al bajo, Ricardo Ricachá Ricart en los teclados, Rafael El Chacho Sida en los tambores, y la destacadísima sección de metales estaba conformada por Nacho Ramírez en la trompeta, Luis Vicente Luisillo Arciniega en el trombón y el mismo Luis Guerrero.

A pesar de que el sonido si es similar al de Blood, Sweat & Tears -sobretodo en su segunda etapa cuando Al Kooper ya no formaba parte de la agrupación- su estilo se acerca más al de Brainchild -una banda setentera de Illinois- y su sensacional mezcla de rock con jazz, soul y algunos elementos progresivos. Sin embargo si encuentro un estilo propio en Bandido y su marcada inclinación hacia el soul, de lo que resulta un sonido por demás digno de escuchar, analizar y sobretodo disfrutar pues las composiciones y la ejecución son en verdad magistrales en todas las canciones y cada track es un sorpresa reservada para nuestros oídos, quizás el grupo no goce de mucha popularidad hoy en día y probablemente no tenían idea cuando grabaron su album que dejarían una joya para la posteridad que pudo haber triunfado en cualquier país en aquella década. El disco abre con Bandido’s Theme o el Tema de Bandido, una rola instrumental de más de 7 minutos y medio con excelente sección rítmica y de metales, era una de las preferidas de sus fans con muy buenos momentos como el intro medio funky de guitarra que luego le añaden el clásico efecto wah wah, los solos de sax y flauta y la destacada participación del Oso Olvera en la guitarra cambiando de efectos y el Hammond de Ricardo Toral. Luego del ritmo trepidante llega una preciosa canción titula Morning de la autoría de Ricardo Toral que es en verdad una gran canción con excelentes cambios de ritmo donde cambian de 4/4 a 3/4, sobresale el piano que acompaña durante toda la canción e incluso por momentos llega a tener cierto protagonismo, de nueva cuenta una destacada participación de los metales y excelente solo de sax, de verdad una muy buena canción. It’ll Better es otro rolonón que se aproxima más al soul, para esta rola Toral deja el piano y hace gala de su talento al órgano donde se avienta muy buenas progresiones y su solo al 3:25, de igual forma destaca el solo de guitarra eléctrica y por supuesto los metales, el ingrediente principal en todas las canciones y el sello distintivo del grupo. Con Poor Ecologist se acercan más al jazz y sobretodo al sonido de Blood, Sweat & Tears y su fusión jazz-rock, destaca el magnífico cambio de ritmo al 2:10 y otro muy buen solo de sax. Seguimos con la mencionada Freedom Now una canción larguísima (10 minutos), probablemente la preferida de sus seguidores y que en ese entonces se convirtió en una especie de himno por su letra: “libertad ahora, despierta tu mente, ayúdate a ti mismo hermano y hazlo ahora, se lo que quieras ser, para mañana serás libre…” de nueva cuenta los cambios de ritmo son magníficos pues pasan de lo vertiginoso a lo tranquilo y la canción se convierte en balada aunque al final regresa al mismo ritmo, muy buen solo también de flauta transversal. Casi para terminar llega mi favorita: Winter Lady, una canción hermosísima compuesta por Mario Rodríguez (será hermanos de Kiko Rodríguez??), esto si es de lo mejor que he escuchado hecho en México, una composición de altísimo nivel y excelentes arreglos, destaca por supuesto la participación del vocal y el pianista. En un derroche de talento Toral interpreta brillantemente el órgano, el piano y el vibráfono sobretodos en sus solos, José Luis Guerrero no se queda atrás y nos vuelve a deleitar con su saxofón, sobra mencionar el excelente acompañamiento por parte de toda la sección de metales. It’s A New Day cierra el disco, de nueva cuenta se inclinan hacia el soul, sobretodo por la sección rítmica y las partes que prácticamente son “habladas” y no cantadas por Rodríguez, claro otra vez excelente solo de órgano en manos de Toral.

De esta manera termina uno de los mejores discos que se han hecho en México, con un sonido nítido, agradable y sobretodo vanguardista. Si hubiera que ponerle un “pero” sería probablemente que todas las canciones son inglés (algo normal para la época) y por ende la pronunciación es de regular a mala y gramáticamente hablando no todas las letras son correctas, sin embargo es una pequeñez comparada al nivel de calidad mostrado como músicos e intérpretes. Bandido también tuvo muy buena participación en el histórico festival de Avándaro y a pesar del idioma y la duración de sus rolas estas eran programadas en la radio comercial, algo que hoy en día no sucede pues solo programan lo que las disqueras quieren lo cual es una lástima. Lo que no es una lástima es que Discos Manicomio haya reeditado este disco en 1997, el cual con suerte puede encontarse en el Chopo, por lo pronto yo conseguí el mío por la módica cantidad de $350, pero en verdad los vale...

aquí un pequeño adelanto

Bandido(Mediafire)

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Siguiendo con los Beatles y los interminables tributos en su honor, de la mano del sello Razor & Tie llega This Bird Has Flown, A 40th Anniversary Tribute to The Beatle’s Rubber Soul, que valga la redundancia es un tributo con motivo del 40 aniversario del lanzamiento de uno de los mejores e influyentes albums de pop de la historia, el Rubber Soul. En esta ocasión encontramos algunas bandas que le dan al rock alternativo y otras que son más conocidas en la escena indie, ninguna es una super banda ni estrellas pero la verdad es que el disco les quedó muy bien. El album tiene 2 puntos interesantes: incluye los mismos tracks que el original (algo parecido al Meet The Smithereens) y algunas versiones son muy distintas a las originales.

Mi favorita sin duda es Drive My Car con The Donnas, una copia casi al carbón de la original que suena bastante bien, respetan las líneas del piano y la guitarra y fue buen detalle incluir el pandero y el cencerro, en pocas palabras es prácticamente igualita a la de los Beatles exceptuando la voz. Nowergian Wood con The Fiery Furnaces es diametralmente opuesta a la original sin la distintiva cítara de Harrison, por el contrario encontramos un órgano medio progresivo, las cuerdas al revés y un arreglo de piano y cuerdas muy al estilo de I’m The Walrus. Dar Williams interpreta You Won’t See Me respetando la original, aunque suena un poco más ligera y acústica, en todo caso suena como si los hubiera invitado a un Unplugged, Low y su versión de Nowhere Man prescindiendo del hermoso arreglo de piano del intro y el ritmo en la batería, convierte la canción en una versión medio ñoña y desangelada, aunque las armonía vocales son muy buenas. The Yonder Mountain String también hace una versión más suave de Think For Yourself con excelentes armonías triples. Mindy Smith interpreta brillamente The Word, respetando la base de la original pero dándole un toque más country o en una de esas hasta de bluegrass. El intro de Michelle augura que será una buena rola pero a los 8 segundos se convierte en un reggae medio plano interpretado por Ben Harper. Quien de plano echó a la basura el trabajo de los Beatles fue Sufjan Stevens con una versión que destroza la original que aunque no es una exquisitez es de las pocas vaqueritas de los Beatles donde Ringo se aventaba la voz, lo único que respetó Stevens fue la letra… Rhet Miller y su versión de Girl vuelve a levantar el ánimo, de nueva cuenta escuchamos una muy buena versión bastante similar a la del ‘65 con todo y los coros. Ted Leo y su rara versión country con toques de ska suena genial, quizá de las mejores del disco. In My Life es de mis favoritas de los Beatles y aunque esperaba una versión parecida a la original me encontré con una rola bastante tranquila sin el solo de piano de Martin y sin batería, piano, cuerdas y guitarra forman parte de linstrumentación, una rola de verdad muy tranquila. Ben Kweller revive el sonido beatle con Wait, otra excelente versión en honor al cuarteto dejando intactos los arreglos originales, muy buena rola. Casi de salida llega Nellie McKay que transforma la rola de Harrison, If I Needed Someone en un jazz lounge muy tanquilo que en todo caso se antoja para una noche romántica en tu habitación. Por último llegan los canadienes de los Cowboy Junkies y su versión alternativa Run For Your Life que en nada se parece a la original -otra vaquerita de los Beatles- y que termina por aburrir. Salvo dos o tres rolas que no se salvan los demás son buenos trabajos, algunos apegándose a la versión original y otros más que si bien se alejan del sonido beatle terminan por ser buenas canciones.

VA, This Bird Has Flown

*Cortesía del Idolo del Rock

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Si en With The Beatles ya mostraban un pequeño avance en este disco los Beatles comienzan a forjar su propio estilo sin recurrir a covers e inician el camino hacia la verdadera consolidación, muestra de ello es que A Hard Day’s Night es el primer disco donde todas las rolas son de Lennon/McCartney. El disco es en realidad el soundtrack de la película del mismo nombre dirigida por Richard Lester y donde los Beatles son los protagonistas, el tema central de la peli es la beatlemania, por lo que vemos a los Beatles agobiados por chicas hermosas y jóvenes que se derriten por ellos y en general el furor que causaban en donde se paraban. La película no es una joya pero tampoco es mala, digamos que es buena "a secas". Recuerdo escenas muy graciosas como la de Lennon discutiendo con una señora al salir del camerino y la memorable escena de Ringo al lado del río, por cierto fue el quien se llevó los mejores comentarios por parte de la crítica, también es bien conocido que durante el rodaje de Ringo acuñó una de sus tantas frases célebres, luego de que un reportero le preguntara si era mod o rocker, a lo que Ringo se limitó a contestar "well... I'm a mocker". Otra aportación muy importante por parte de Ringo y que casi olvido es que el título se lo deben a el, aunque la idea desde un principio giraba en torno a la beatlemania no tenían titulo para la película, un día especialmente agotador de grabación Ringo salió del set exhausto diciendo "...it's been a hard day" pero se dio cuenta de que ya era de noche por lo que completó la frase, "...day's night", la frase gustó tanto a los demás que se quedó como título del album y el filme.

Como sabemos, Lennon y McCartney compartieron créditos en todas sus canciones como beatles aun cuando la rola no la hubieran compuesto entre los dos, en este caso 10 de las 13 canciones son de Lennon, todas muy buenas por cierto. A Hard Day’s Night es una muestra de la originalidad y brillantez de las composiciones de Lennon, además dejan de lado canciones de otros autores para dedicarse a lo suyo, que es lo que mejor hicieron en su carrera. El disco esta lleno de melodías finas y agradables, estribillos pegajosos, armonías vocales por parte de Harrison, Lennon y McCartney que rayan en la perfección y claro, el clásico estilo popero de los Beatles que tanto les redituó en su primer época.

Este es uno de mis discos favoritos y aunque no todas las canciones son clásicos o son brillantes el disco funciona a la perfección como un todo pues es consistente y ninguna canción se sale de contexto por lo que resulta bastante agradable escuchar una rola tras otra. Con canciones que no superan los 3 minutos los Beatles nos deleitan con muy buenas rolas como la clásica A Hard Day’s Night, una rolita bastante movida con buenas armonías y gran participación de Harrison y su famoso acorde introductorio, When I Get Home, una canción con bastante punch en la guitarra y la batería, buenos coros y muy buen puente. Mi favorita es I Should Have Kwon Better, un rockcito de aires folk tremendamente pegajoso donde la harmónica le imprime un sello especial y los Beatles vuelven a hacer gala de sus dotes vocales y la facilidad que tenían para armar armonías bellas y pegajosas. Otra de mis favoritas es la sentimentalista If I Fell, una balada triste donde los acordes en orden descendente suenan bastante bien, en mi opinión es una de las mejores baladas del grupo y quizá de las menos valoradas. El disco también tiene sus partes alegres que llegan de la mano de buen rocanrol como You Can´t Do That y pop de la mejor calidad con Tell Me Why y la inolvidable Can´t Buy Me Love. Otro buen folk rock es I’ll Cry Instead y claro no podemos olvidarnos de And I Love Her, que aunque no es de mis favoritas probablemente sea de las más conocidas de los Beatles. Contrario a la película donde Ringo juega un papel fundamental en el disco no le tocó cantar ni una rola y solo se dedicó a darle duro a la bataca, aunque a decir verdad no hace falta cantar cuando tienes a tienes a tres genios a tu alrededor, no creen?

The Beatles, A Hard Day’s Night

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