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The Beatles – A Hard Day’s Night

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Si en With The Beatles ya mostraban un pequeño avance en este disco los Beatles comienzan a forjar su propio estilo sin recurrir a covers e inician el camino hacia la verdadera consolidación, muestra de ello es que A Hard Day’s Night es el primer disco donde todas las rolas son de Lennon/McCartney. El disco es en realidad el soundtrack de la película del mismo nombre dirigida por Richard Lester y donde los Beatles son los protagonistas, el tema central de la peli es la beatlemania, por lo que vemos a los Beatles agobiados por chicas hermosas y jóvenes que se derriten por ellos y en general el furor que causaban en donde se paraban. La película no es una joya pero tampoco es mala, digamos que es buena "a secas". Recuerdo escenas muy graciosas como la de Lennon discutiendo con una señora al salir del camerino y la memorable escena de Ringo al lado del río, por cierto fue el quien se llevó los mejores comentarios por parte de la crítica, también es bien conocido que durante el rodaje de Ringo acuñó una de sus tantas frases célebres, luego de que un reportero le preguntara si era mod o rocker, a lo que Ringo se limitó a contestar "well... I'm a mocker". Otra aportación muy importante por parte de Ringo y que casi olvido es que el título se lo deben a el, aunque la idea desde un principio giraba en torno a la beatlemania no tenían titulo para la película, un día especialmente agotador de grabación Ringo salió del set exhausto diciendo "...it's been a hard day" pero se dio cuenta de que ya era de noche por lo que completó la frase, "...day's night", la frase gustó tanto a los demás que se quedó como título del album y el filme.

Como sabemos, Lennon y McCartney compartieron créditos en todas sus canciones como beatles aun cuando la rola no la hubieran compuesto entre los dos, en este caso 10 de las 13 canciones son de Lennon, todas muy buenas por cierto. A Hard Day’s Night es una muestra de la originalidad y brillantez de las composiciones de Lennon, además dejan de lado canciones de otros autores para dedicarse a lo suyo, que es lo que mejor hicieron en su carrera. El disco esta lleno de melodías finas y agradables, estribillos pegajosos, armonías vocales por parte de Harrison, Lennon y McCartney que rayan en la perfección y claro, el clásico estilo popero de los Beatles que tanto les redituó en su primer época.

Este es uno de mis discos favoritos y aunque no todas las canciones son clásicos o son brillantes el disco funciona a la perfección como un todo pues es consistente y ninguna canción se sale de contexto por lo que resulta bastante agradable escuchar una rola tras otra. Con canciones que no superan los 3 minutos los Beatles nos deleitan con muy buenas rolas como la clásica A Hard Day’s Night, una rolita bastante movida con buenas armonías y gran participación de Harrison y su famoso acorde introductorio, When I Get Home, una canción con bastante punch en la guitarra y la batería, buenos coros y muy buen puente. Mi favorita es I Should Have Kwon Better, un rockcito de aires folk tremendamente pegajoso donde la harmónica le imprime un sello especial y los Beatles vuelven a hacer gala de sus dotes vocales y la facilidad que tenían para armar armonías bellas y pegajosas. Otra de mis favoritas es la sentimentalista If I Fell, una balada triste donde los acordes en orden descendente suenan bastante bien, en mi opinión es una de las mejores baladas del grupo y quizá de las menos valoradas. El disco también tiene sus partes alegres que llegan de la mano de buen rocanrol como You Can´t Do That y pop de la mejor calidad con Tell Me Why y la inolvidable Can´t Buy Me Love. Otro buen folk rock es I’ll Cry Instead y claro no podemos olvidarnos de And I Love Her, que aunque no es de mis favoritas probablemente sea de las más conocidas de los Beatles. Contrario a la película donde Ringo juega un papel fundamental en el disco no le tocó cantar ni una rola y solo se dedicó a darle duro a la bataca, aunque a decir verdad no hace falta cantar cuando tienes a tienes a tres genios a tu alrededor, no creen?

The Beatles, A Hard Day’s Night

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Supertramp – Crisis? What Crisis?

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Supertramp_crisis_what_crisis_2000_retail_cd-inside       Supertramp_crisis_what_crisis_2000_retail_cd-back

Da Vinci tuvo a los Medici, Supertramp tuvo a Stanley August Miesegaes. Quien no soñaría con tener alguien que te financiara un grupo de rock y además te diera toda la libertad. Pues este es el caso de Richard Davis y Stanley August Miesagaes, un holandés con unos cuantos millones en su cuenta que se convirtió en el mecenas moderno del grupo. La historia de Supertramp se remonta a principios de los 70’s con el grupo The Joint, una banda liderada por el tecladista Richard Davis con la que el tal Stanley Miesegaes quedó maravillado por su música. Con el tiempo el grupo se disolvería pero era tal la admiración de Miesegaes por las composiciones de Davis que le hizo una oferta irrechazable, el sueño de cualquier banda: financiarle un grupo y los gastos que conlleva.

Bueno pues gracias a Stanley Miesagaes el mundo conoció a Supertramp, luego de la maravillosa oferta Richard Davis puso un anuncio en un periódico local para buscar integrantes para su nueva banda y el primero en aparecer fue otro músico igual de talentoso que el mismo Davis, su nombre: Roger Hodgson, que también era cantante, guitarrista y teclista. La química entre los dos músicos fue tan buena que de inmediato concibieron la banda y la nombraron Supertramp inspirados en la novela Autobiography of a supertramp de W.H. Davis,o lo que es lo mismo Autobiografía de una superputa. El grupo sufrió de varios cambios en su alineación pero sin duda los miembros más importantes a lo largo de la extensa vida del grupo fueron Davis y Hodgson. Sus dos primeros albums fueron un rotundo fracaso comercial no asi en el aspecto musical ya que se consideran innovadores para su época e incluían tonos beatlescos y muy buenas armonías vocales, Supertramp se convirtió en una banda de culto y en realidad las ventas no representaron un problema pues contaban con el respaldo económico del millonario holandés, por lo que el grupo no se desanimó y finalmente el éxito llegó con el tercer album: Crime Of The Century. Dougie Thomson, Bob Siebenger y John Helliwell completaron la alineación de Supertramp en su época dorada, que obviamente comenzó con este disco que les valió entrar al Billboard y supondría el éxito comercial y la aceptación por parte de la crítica.

Cuando pensaron que habían alcanzado su máximo nivel musical llegó su obra maestra: Crisis? What Crisis?, publicado en 1975 y en mi opinión uno de los mejores y más exquisitos discos de pop setenteros y probablemente el mejor del grupo, por que? simplemente por que es un album genial y con excelentes rolas llenas de matices donde el grupo suena muy distinto a lo que había en esos días, a pesar de esto es un sonido totalmente setentero plagado de bellas armonías vocales, buenas y finas melodías al piano y la inclusión del saxofón que en algunas rolas le da un muy buen toque y se funde a la perfección con el piano y las guitarras. Destacan rolas como la genial Easy Does It, una muy buena melodía donde la guitarras juegan un papel fundamental, la dulzura de esta rola abre paso a muy buenas canciones como Sister Moonshine, un soft rock setentero con todo lo necesario para ser un hit: buenas guitarras tanto acústicas como eléctricas, buena melodía y un ritmo disfrutable, destaca la participación de la harmónica y la guitarra wah wah. Otra muy buena es Ain’t Nobody But Me, un excelente blues al piano de Davis que por momentos se convierte en balada 3/4 y con muy buenas armonías vocales, el saxofón adereza de forma espectacular la canción. The Meaning es una rola cuasi épica que parece sacada de un musical irlandés, de nuevo el sax es ingrediente fundamental. La balada Just A Normal Day tiene todo el sabor de los setentas con muy buenos arreglos de cuerdas y sax, muy al estilo de Billy Joel en The Stranger (otro de los grandes del pop setentero). Poor Boy es otro buen pop estilo beatlesco. En resumidas cuentas este es un muy buen album, de lo mejor de la década, con muy buenas melodías y excelentes arreglos, destaca también lo explícito de la portada que muestra a un hombre tomando el sol tranquilamente mientras la ciudad es un desastre, haciendo alusión al titulo del album.

Even In The Quietest Moments publicado en 1977 es otro de sus mejores y más exitosos trabajos, pero en definitiva su mayor éxito comercial hasta la fecha sigue siendo Breakfast In America, publicado en el '79 cuando la banda ya residía en E.U., en este disco dejan completamente de lado sus tendencias progresivas por las que se caracterizaron en los primeros discos y entregan un sonido 100% popero. La declive de la banda comenzaría en los ochentas, con alteraciones en el grupo y la salida de Hodgson.

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The Beatles – With The Beatles

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the_beatles_with_the_beatles_1988_retail_cd-inside          the_beatles_with_the_beatles_remastered_2009_retail_cd-back

Luego del afortunado debut con Please Please Me y la inmediata aceptación en E.U., George Martin había encontrado la fórmula perfecta para convertir a cuatro carismáticos tipos en pop stars: música fácil de escuchar, estribillos pegajosos, triples armonías vocales encantadoras y sobretodo una buena base melódica fundamentada en el rock & roll. Sus trajes, su corte de cabello, el papel que cada beatle interpretaba, todo tenía una razón de ser y Martin era el genio detrás del cuarteto, no por nada es llamado el quinto beatle. A decir verdad este no es de los mejores discos de los Beatles y tampoco es un clásico del grupo, sin embargo y pesar de que aún estaban lejos de alcanzar su máximo potencial en este disco ya podemos encontrar un pequeño avance en comparación a su predecesor y escuchamos a unos Beatles un poco más sofisticados musicalmente hablabando, esto no es casualidad pues para esta producción si se tomaron su tiempo y no solo poco más de un día como pasó en el disco anterior, además George Martin puso más atención en la producción y los arreglos, un ejemplo de esto es que sobrepuso las voces dos veces en algunas pistas para lograr un sonido más consistente y enriquecido.

Probablemente este album sea el más olvidado del cuarteto -quizá junto con Beatles For Sale- pues en general no se habla mucho de el, a diferencia del Please Please Me no es el debut por lo que no llama tanto la atención ni es un album excepcional como los que empezarían a sacar a parir del Rubber Soul, no obstante incluye muy buenas rolas y algunos clásicos del grupo. Al igual que su predecesor este album incluye algunos covers -6 para ser exactos- y abarca distintos estilos musicales, rock & roll puro y en su máxima expresión en el cover de Chuck Berry, Roll Over Beethoven, donde Harrison se luce con el riff del intro y Money, otro cover un poco más lento pero de muy buena calidad. También encontramos baladas románticas con excelentes melodías como All I’ve Got To Do y Not A Second Time, sin dejar de lado su encanto pop los Beatles rockean con All My Loving, que quizá sea la más conocida del disco sobretodo porque fue con la que abrieron aquella noche históricaen el show de Ed Sullivan en su primer presentación en la tv de E.U. y Hold Me Tight, que de hecho se quedó fuera del Please Please Me pero en esta ocasión si fue incluída. El debut de Harrison como compositor se da con Don’t Bother Me, donde empieza a demostrar su calidad y su gusto por los acordes menores. Little Child y I Wanna Be Your Man son otras dos rolas originales del grupo, la primera con muy buen arreglo de harmónica y que muchos consideran que tiene un toque latino, tal vez por el piano y la segunda es una de las mejores del grupo, otro buen rock & roll donde los tonos descendentes de la guitarra en el coro son geniales. Please Mr. Postman, Devil In Her Heart, You’ve Really Got A Hold On Me y Till There Was You son los otros 4 covers del disco, la primera es una desafortunada versión del hit de las Marvelettes pero con You´ve Reallly…se reivindican, especialmente por la interpretación de Lennon. Till There Was You fue tomada de un musical de Broadway para ser interpretada por McCartney con acierto y en esta rola si se siente un sabor más latino. Mi favorita sin duda es It Won’t Belong, un buen ejemplo de la simplicidad de las canciones de los Beatles que sin embargo es altamente efectiva y pegajosa, una de las mejores canciones de su discografía y una muestra de la facilidad que tenían para convertir canciones en éxitos instantáneos, la determinación con que abren la canción es excelente pues ir directo al grano, al coro es algo que a muchos grupos de la época les hubiera gustado hacer, los riffs de Harrison que va respondiendo a cada verso son geniales y los yeah yeah’s con que se responden Lennon y McCartney llevan el sello de la casa. Como dije, no es de los mejores de los Beatles pero sin duda vale la pena escucharlo y tenerlo, aunque sea para tener la colección completita no creen? Luego de esto la Beatlemanía estaba a punto de llegar…

The Beatles, With The Beatles

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Nick Lowe – Jesus Of Cool

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Nick Lowe es uno de esos casos extraños que se dan en el mundo de la música donde el artista aparte de ser cantante también es autor, arreglista, productor y toca varios instrumentos, en este caso la guitarra, el piano, el bajo y la harmónica, existen otros como McCartney, Jeff Lynne, Lenny Kravitz, por mencionar algunos. El caso de Lowe es particularmente especial ya que es bien conocido por moverse de un género musical a otro, principalmente el rock, blues, punk rock, new wave y power pop. Este músico inglés inició su carrera en 1965 cuando fundó junto a Brinsley Scharwz la banda Kippington Lodge, con la que graba algunos sencillos para Parlaphone pero después la banda cambiaría de nombre a Brinsley Scharwz(igual que el co-fundador, que ironía). Luego de salirse de la banda tocó en Rockpile e ingresó a la disquera Stiff Records como artista y como productor, donde produjo discos de Dr. Feelgod y Elvis Costello, así como la canción New Rose de The Damned, considerada el primer single punk de Inglaterra, así como el album debut Damned Damned Damned. Lowe ha sido parte de de varios proyectos, pero es mejor conocido por este disco y los 4 albums de Rockpile, aunque en realidad solo uno se considera como de la banda (Seconds Of Pleasure), pues dos salieron bajo el nombre Dave Edmunds y uno más se acredita a Nick Lowe.

Jesus Of Cool es uno de los mejores albums de pop de los 70 pero también de los grandes olvidados, la razón tal vez sea que quiso experimentar en una época donde las bandas se dedicaban a tocar lo suyo y nada más, el mundo ya no estaba tan abierto a escuchar experimentación como lo fue en la década anterior, amén de que la industria de la música se había transformado por completo, mejor dicho la música se convirtió en industria y dejó de ser solo arte, las disqueras ahora controlaban cuando y como debían salir los albums y bandas, algo de lo que se burla Nick Lowe en la portada que representa como querían mezclar en esa época el rock con el pop y otros géneros, o mejor dicho algunos querían aparentar algo que no eran, Lowe representa todos los estilos en la portada: el rockero, popero, hippie, glam, new wave y folk . Otra razón válida por la que el disco no obtuvo tanta atención, principalmente en E.U. donde fue titulado Pure Pop For Now People, es que ese mismo año toda la atención de los amantes del pop se situó en los Bee Gees, que en esa época le entraron con todo al a música disco y sin duda fue su gran año. El album de Nick Lowe es todo lo contrario a una estandarización del pop, es un muy agradable experimento y un tributo a los estilos musicales más conocidos e influyentes, donde podemos escuchar desde rock & roll en They Called Rock y Shake And Pop excelentes canciones con el clásico piano honky tonk y riffs rocanroleros, algo de punk rock liviano con Heart Of The City, simple y efectivo power pop lleno de energía como el de So It Goes, el new wave de I Love The Sound Of Breaking Glass y Nutted By Reality, anticipándose a lo que vendría en los 80. El folk pop también aparece en Little Hitler una canción bastante beatlesca sobretodo por los coros, y el pop a la Beach Boys en Rollers Show, tributo a los Bay City Rollers. Marie Provost es otra gran canción con toques country y folk, pasando por la romántica Tonight. La sarcástica Music For Money y una especie de tributo al reggae en No Reason que claramente simpatiza con Bob Marley. Por último una de las mejores y de mis favoritas es 36 Inches High, una muy buena rolita tipo McCartney y sus canciones 3 en 1. Este disco es uno de los primeros de pop post-moderno y tal vez sea uno de los más influyentes pues creo muchas bandas de power pop no hubieran existido de no haber sido por este album.

Nick Lowe, Jesus Of Cool

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V. A. – He Was Fab, A Loving Tribute To George Harrison

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De la mano de algunas bandas indie llega este tributo al beatle más discreto y místico: Sir George Harrison, uno de los mejores guitarristas/compositores/cantantes que ha dado Inglaterra, reconocido no solo por su trabajo en la música sino también por su encomiable labor humanitaria y altruista, que mejor testimonio que el concierto por Bangladesh no creen? Todos sabemos que los tributos se pusieron de moda últimamente pero la realidad es que no todos son buenos e incluso algunos lejos de ser un tributo terminan por deshonrar a la banda o compositor según sea el caso. Para mí existen dos puntos importantísimos cuando se trata de un tributo, primero la calidad de los que hacen el tributo ya que existen dos opciones: o lo hacen músicos de talla internacional y chingones como los que hicieron el tributo a Pink Floyd (Edgar Winter, Tony Levin, Eric Singer, Elliot Easton, Tommy Shaw, entre otros) o mejor aún, como sucedió en el mismo Concert For George en el Royal Albert Hall donde participaron genios y amigos de Harrison como Eric Clapton, Paul McCartney, Billy Preston, Tom Petty, Jeff Lynne, Jim Capaldi y otros más, entonces si tienes un verdadero tributo en toda la extensión de la palabra. La segunda opción es juntar a músicos que admiren a dicho artista o que sientan que sea una buena oportunidad para mostrarse. Últimamente la segunda opción es la más recurrente, sin embargo de vez en vez nos encontramos con muy buenos trabajos como en el caso de He Was Fab, con canciones que suenan frescas pero a la vez siguen teniendo el sabor de Harrison. Justo en este momento llega el segundo punto importante y nos topamos con otro gran dilema: que es mejor, tratar de sacar una réplica de la canción con uno que otro arreglo nuevo y tratar de acercarse lo más posible a la original o de plano hacer una versión totalmente distinta? Bueno, pues yo soy de los que se quedan con la primera opción o si la nueva versión es excepcional e incluye detalles del agrado del homenajeado o guiños para el mismo pues bienvenida sea.

Aclarado mi punto, en lo que se refiere a este tributo creo que es un buen disco y hasta ahí, nada excepcional pero si te gusta las rolas de Harrison –tanto en su época beatle como solista- y además te gusta el power pop, entonces eres el indicado para escuchar este tributo donde diecinueve artistas (bandas y solistas) de la escena indie alrededor de todo el mundo que en su mayoría le dan al power pop y algunos con un estilo muy retro, se aventaron este lindo tributo en el 2003, donde a mi gusto destacan dos rolas casi al nivel de la original: I Need You con The Lolas, que sigue teniendo la misma dulzura en lo voz, con muy buenos coros e incluyen también el cencerro al igual que Ringo, las guitarras suenan muy parecidas por no decir idénticas, la otra rola es Taxman con Twenty Cent Crush, donde también se puede sentir que es una rola de Harrison y el sonido es muy parecido a la original, las armonías vocales son muy buenas y el solo igualito, una muy buena rola. En ese orden sigue I Want To Tell You con Blue Cartoon y su excelente versión donde solo falta el piano después del segundo verso para que sea casi perfecta, pero en general es un buen logro, Here Comes The Sun de Phil Angotti mantiene el toque folk de la original e incluye el guiño del que hablaba: el ukulele suena al final de la canción. Old Brown Shoe con The Marlowes es otro buen intento por lograr el sonido beatlesco, destaca el piano y la guitarra. Aunque es muy distinta a la original, You Like Me Too Much de Chris Richards suena bastante bien con armonías tipo Beach Boys. También encontramos versiones modernizadas de los clásicos de Harrison como Don´t Bother Me con Eytan Mirsky, If I Needed Someone de Ed James, Only A Northern Song con Jamie Hoover que respetan la línea de la original e incluso los arreglos pero si suenan un poco más acordes a nuestra era. Sin embargo Ed James se pasa un poco de la raya con su sonido new wave ochentero pero se le perdona, los que de plano si la regaron fueron The Drowners con While My Guitar Gently Weeps, por que demonios transformar una canción tan bella en una desencantada y distorsionada versión de la canción tipo The Offspring o Alien Ant Farm. Glow Friends hacen una pésima versión de My Sweet Lord, otra de las más bellas y emblemáticas de Harrison que se convierte en un mala versión orquestada, si todo es tan fácil como tomar una guitarra y no ser tan pretenciosos. Jason Byrd estuvo a nada de masacrar la mejor canción de George Harrison: Something, el error es tan simple como fatal, reemplazar el bellísimo solo de de Harrison por una pésima improvisación, se salva por la batería que suena bastante bien y la voz. Hay otras que no suenan bien a manera de tributo pero tampoco se salvarían como material propio, caso concreto de When We Was Fab de Wendy Ip, You de Lisa Mychaels y los desafortunados sintetizadores de What Is Life de The Brambles, una rola desangelada. Bueno pues sobre advertencia no hay engaño, a pesar de los errores en que cayeron algunos intérpretes el disco en general es bueno gracias al respeto mostrado por bandas como The Lolas y Twenty Cent Crush que junto a Champale con I’d Have You Anytime se llevan la gloria de este tributo. Larga vida a Sir George, el beatle místico.

VA, He Was Fab A Loving Tribute To George Harrison

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Splitsville – Presents… The Complete Pet Soul

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 splitsville_the_complete_pet_soul_2001_retail_cd-inside     Splitsville - Presents...The Complete Pet Soul B

Splistsville es una de las mejores bandas de power pop de USA, esto no es casualidad pues antes de formar esta banda los gemelos Huseman formaron parte de la aclamada banda de power pop The Greenberry Woods. Matt Huseman en la guitarra, Brand Huseman se aventó a tocar la batería mientras que en su anterior banda tocaba el bajo, por último el bajista/tecladista Paul Krysiak se les unió para formar Splitsville, una muy buena banda que realizó su primer grabación prácticamente en el sótano de Krysiak. La historia de los gemelos viene desde tiempo atrás, desde el ‘89 para ser precisos que fue cuando formaron The Greenberry Woods, por lo que llevan buen rato en el mundo de la música.

Splitsville debuta en 1996 como un proyecto alterno y lo hacen estupendamente con Splitsville USA, un excelente trabajo que fue muy bien recibido por la crítica a pesar de la baja calidad del sonido pues fue grabado en solo tres días en el estudio casero de Paul Krysiak. Al siguiente año sacaron Ultrasound, lo que muchos consideran una obra maestra, otro album de power pop donde reina la guitarra eléctrica y las armonías vocales, no conformes con esto en 1998 sacan Repeater, otro muy buen album donde exploran más los sonidos propios del género y demuestran que están en pleno proceso de madurez. Bien, pues todo esto los llevó a crear uno de los mejores albums de pop que se han editado, bueno en realidad fueron dos: primero sacaron el EP Pet Soul en 1997, un disco promocional que se distribuyó en un festival de música y fue un “descanso” de la música que usualmente tocaban que era más un pop-rock enérgico con destellos de punk melódico, pero en Pet Soul se enfocan en un pop más a la antiguita tipo Beach Boys, principalmente por su admiración a Brian Wilson, pero los Beatles también influyeron para este album. El EP fue tan bien recibido que en el 2001 el grupo decide continuar con su experimento musical y sacan el Complete Pet Soul, que presentaba las cuatro canciones del Pet Soul más 6 nuevas y el cover de I’ll Never Fall In Love Again de Burt Bacharach. Este disco es una delicia para los amantes del pop, fundamentado en el Pet Sounds y el Rubber Soul y en general en el pop de mediados de los 60, a tal grado que Krysiak lo considera como “el album de 1966 que nunca existió”. El mismo año deciden hacer una gira por España y se convierten en cuarteto con la adición del guitarrista Tony Waddy, lo que les permitió tocar canciones en vivo que antes no podían además de que contribuyó con los coros también. Más tarde sacarían Incorporated y Lets Go! The Best Of Splitsville, además han grabado varios covers de sus bandas favoritas pero solo han aparecido en tributos o ediciones especiales, entre los destacables se encuentran Tears Are Cool de Teenage Fan Club y Our Love Was de The Who.

The Complete Pet Soul es un derroche de talento con sabor a los 60’s y una clara devoción a los Beach Boys y los Beatles, cualquiera que guste de los discos mencionados arriba le encantará este disco donde podemos apreciar desde el pop más dulce y pegajoso de mi favorita: Sunshiny Daydream, una oda al pop de los Beatles con dulces triples armonías vocales y el piano tipo McCartney que recuerda la época del Yellow Submarine. Pretty People es otra rola beatlesca que parece ser sacada de una compilación de lo mejor del ‘65. Pero recuerden que los Beach Boys también juegan un papel importantísimo en la concepción de este album, muestra de ello es Aliceanna, una pieza con muy buenas armonías vocales y el estilo de Brian Wilson impregnado, pero el tributo perfecto a este genio llega hasta el track 10 con The Love Song Of B. Doulas Wilson, que en el nombre lleva la fama. Sin dejar de lado el power pop incluyen Forever y You Ought To Know, que suena como una mezcla de los Who tempraneros con los Beach Boys. Dos canciones especialmente bellas y agradables son Caroline Knows y Tuesday Trough Saturday, que por momentos recuerdan a una de las más grandes exponentes del pop setentero: Carole King. The Popular es otra muy buena rolita que bien puedo haber aparecido en el Pet Sounds, por último aparece el cover de I’ll Never Fall In Love Again, otro muy buen logro de la banda que a pesar de que el intro parece canción de elevador lo interesante llega después del primer minuto con el poder de la guitarra eléctrica y donde siguen haciendo gala de sus dotes vocales.

El disco te encantará si:

A) Te encantan los Beatles

B) Te encantan los Beach Boys

C) Crees que 1965 fue el año en que el pop cambió para siempre

D) Eres amante del buen pop

 

Splitsville, Presents… The Complete Pet Soul

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The Flying Burrito Brothers – Gilded Palace Of Sin

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Gram Parsons es el padre del country rock. Como no va a serlo si el fue el primero en formar una banda de este género, la International Submarine Band, de ahí paso a los Byrds y con el en la voz grabaron el primer disco de rock orientado hacia country, Sweetheart of the Rodeo, después dejó a los Byrds y en 1969 cumplió su sueño: formar una banda que solo tocara country rock y la banda se llamó The Flying Burrito Brothers. Solo existe un pequeño detalle, los Flying Burrito Brothers originalmente eran los ex-compañeros de Parsons en la International Submarine Band pero Parsons tomó “prestado” su nombre, al tiempo que su banda iba ganando fama los originales tuvieron que moverse al noreste de E.U. tocando su versión ecléctica de rock donde mezclaban la música tradicional con rockabilly, R & B y blues, y finalmente se hicieron llamar Flying Burrito Brothers East.

Al mismo tiempo el grupo de Parsons se volvió más famoso cada día, se sumergieron en sus propios pensamientos en su casa en el valle de San Fernando y se vistieron apropiadamente para la ocasión con trajes country-western -llenos de los clásicos adornos brillantes de estos trajes- que fueron diseñados por el famoso Nudie Cohn quien también diseñaba los trajes vaqueros de Elvis, de Johnny Cash, John Lennon y el mismo Gram Parsons en su época de solista. Cabe señalar que el traje de Parsons en este disco está adornado con un envoltorio de mariguana. El grupo grupo estaba formado entonces por Gram Parsons quien era la voz, guitarra rítmica y se encargaba del piano y el órgano, Chris Hillman también era voz líder, rítmica, mandolina y la harmónica, Sneaky Pete Kleinow y su pedal steel guitar, Chirs Ethridge al bajo y piano y el baterista de los Byrds Michael Clarke completaba la alineación. La banda tendría muchos cambios en su alineación, incluyendo la salida de Parsons en el ‘70.

Gilded Palace Of Sin no se vendió muy bien pero el grupo se ganó admiradores de la talla de Dylan y los Rolling. Con este disco Parsons consolidó lo que había iniciado con la International Submarine Band, donde había edificado las bases del movimiento country rock, pero ya con los Flying demostró todo su talento y creó uno de los mejores e influyentes discos del género con 11 canciones country rockeras en las que por momentos le añade toques de folk, soul, R & B y gospel. Como compositor Parsons realizó unos de sus mejores trabajos en este album, muestra de ellos son Hot Burrito #1 y Hot Burrtio # 2, dos muy buenas baladas donde mezcla las aflicciones clásicas del country con el sentimiento contemporáneo de ira y confusión que en general sentían los jóvenes en esa época. La protesta social se hace presente con Sin City, otra balada country donde Parsons se saca del pecho la frustración que sentía por vivir en una ciudad que literalmente se estaba volviendo loca, y en general critica la corrupción que hasta hoy existe en nuestra sociedad y el creciente capitalismo. Los covers de clásicos del R & B de Dan Penn, Dark End Of The Street y Do Right Woman, son los ejemplos perfectos de su mezcla soul-country donde Parsons desata su lado sensible y afligido, una mezcla a la que se refería como la música cosmo-americana. Mi favorita es la vaquera Christine’s Tune, una excelente mezcla de country, folk y todo el fuzz piscodélico, solo le bastan tres acordes para lograr una magnífica composición donde aborda de forma directa la maldad que puede existir en una mujer: “ella es un demonio disfrazado, puedes verlo en sus ojos, ella dice sucias mentiras, es un demonio disfrazado. Una mujer como esa todo lo que hace es odiarte, ella no sabe lo que a un hombre lo hace hombre, ella hablará de las veces que ha estado contigo y dirá tu nombre a todo el que pueda, es un demonio en un disfraz y tu puedes verlo en su mirada”. Destaca el country a todo lo que da en My Uncle, una protesta hacia la guerra y cierran el disco con el maravilloso gospel de Hippie Boy, una mirada introspectiva hacia fines de los 60’s y que narra como murió el sueño americano.

Parsons tuvo la suerte de que sus compañeros compartieran su visión y no solo se limitaran a tocar junto a el, la distorsión y el fuzz de la guitarra de pedal de Sneaky Kleinow es el puente perfecto entre el country y el rock psicodélico, la voz de Hillman y sus coros se funden a la perfección con la voz de Parsons para crear bellas armonías vocales, pero además contribuyó en la mayoría de las canciones de Parsons. A pesar de que este disco no fue adoptado por la cultura popular de los 60’s, muchas bandas fundaron su sonido en este disco y después gozarían del éxito que en su momento no tuvieron los Flying Burrito Brothers (los Eagles son un ejemplo), pero sin duda nadie ha logrado fusionar el rock y el country tan genialmente como lo hicieron estos tipos. Disco plenamente recomendable para afinar nuestros oídos y expandir nuestros gustos musicales.

The Flying Burrito Brothers, Gilded Palace Of Sin

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Fuente: Wikipedia

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Yeti – Yume!

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Luego de que los Libertines decidieron separarse sus miembros continuaron en activo en distintas participaciones especiales o con nuevos proyectos, de lo que derivaron bandas bastante interesantes como los Babyshambles, Dirty Pretty Things, The Chavs y por supuesto a la que le toca este post: Yeti. La banda fue formada en el 2004 por el bajista ex-Libertine John Hassall en la voz junto a Brendan Kersey al bajo, Andrew Deian Cannes en la eléctrica y voz, Mark Harmony Underwood (ex - Harmony Williams) en la acústica y voz y el baterista Graham Blacow se unió a la banda luego de ver en los clasificados que una banda buscaba bataco. Al inicio Hassall fue el compositor principal pero pronto Mark Underwood comenzó también a escribir y cantar sus propios temas, entre ellos Insect – Eating Man y The Last Time You Go. Mientras Deian también sacó algunas rolas entre las que destaca la vaquera Don’t Go Back To The One You Love y Jermyn Girls. El sonido de la banda se define como beat pop con una base acústica y un toque de psicodelia de los 60’s más triples armonías vocales bastante atractivas. Lo mejor que le pudo pasar a la banda fue que cada integrante contribuyera con sus respectivas influencias: Hassall es conocido por su amor hacia los Beatles, Underwood es un experimentado en el teatro musical, Deian provee un toque de psicodelia western o vaquera con su guitarra eléctrica y Blacow le imprime un toque setentero en la batería con el sello de Zeppelin. El sonido de la banda efectivamente muestra una evidente influencia de bandas como The Beatles, The Flying Burrito Brothers, The Byrds y The Zombies.

Los Yeti debutaron con el single Never Lose Your Sense Of Wonder en marzo del 2005 y ese mismo año lanzan Keep Pushin’ On en agosto. A fines del 2006 lanzan una edición limitada de su EP One Eye Of The Banquet. En el 2007 Brendan Kersey dejó la banda para unirse a la banda londinesa The Early Years, por lo que Hassell asumió el bajo. En agosto del mismo año lanzan en Japón el LP recopilatorio Yume! acompañado de presentaciones en Tokyo, Fukuoka, Kyoto, Sapporo y Yokohama para promover el disco que de inmediato se convirtió en un éxito en tierras japonesas. Su grabación más reciente es The Legend Of Yeti Gonzalez, un disco de bajo presupuesto, en un plano más relajado y de baja fidelidad que suena más a una grabación original de los 60’s que a una moderna.

El disco arranca con Never Lose Your Sense Of Wonder, una rola de aires folk con gran intro de acústica arpegiada que deja su lugar a un muy buen riff y de ahí en adelante se convierte en una delicia de canción con toques de country rock. Le sigue In Like With You otra rolita tipo country western con muy buenos riffs en la eléctrica, el ritmo del bataco es perfecto pues en verdad suena como una rola vaquera donde destaca el cambio de ritmo. Merry Go Round es una canción más tranquila con bellas armonías vocales que recuerdan las canciones de Crosby, Stills & Nash, de nuevo meten el acelerador al cambiar de ritmo. Sorprende la fuerza con que entran en Keep Pushin’ On, una suerte de ska que se aleja del estilo pero de inmediato retoman con The Last Time You Go, una magnífica pieza country rock imprimiéndole más velocidad que en las rolas anteriores y con un intro bastante pegajoso, fue la primer rola que escuché de los Yeti. De nueva cuenta se salen del molde con Up And Down, una rola mucho más noventera que se acerca al estilo de The Rooks o The La’s y sin mucho que destacar, Midnight Flight una rola de excelente manufactura donde el bataco y el bajista son la base de la canción, el western se hace presente con Forgotten Melody, una baladita estilo Flying Burrito Brothers con excelentes armonías vocales y muy buen solo de guitarra. Song For The Dead sigue la misma línea del country aunque no le encuentro mucho que destacar pero a continuación una de mis favoritas y de las mejores del disco Carpet Road que con el puro intro vaquero llama la atención. Otra canción genial y de las favoritas de sus fans es Insect-Eating Man, una canción de tono burlesco con una letra medio extraña pero bastante ingeniosa y la música es muy buena. Jermyn Girls cierra el album, con un inicio vacilante la canción toma forma con el riff introductorio, hasta este momento no se que signifique jermyn, solo se que esta rola me suena a un canción como las que les componían a las chicas ye ye, esas que nacieron en Francia e fines de los 50’s con todo un aparato mercadológico detrás de ellas, si checan bien podría pasar como una canción del género que popularmente llamaron ye ye –al castellanizar los yeah yeah’s de los coros-, el punto es que es una muy buena rola. En general el disco es muy bueno, con un sonido muy retro y agradable, oficialmente no es su debut pues como dije es una recopilación, el debut llegaría más tarde con The Legend Of Yeti Gonzalez.

    Yeti, Yume!

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La Revolución de Emiliano Zapata – La Revolución de Emiliano Zapata

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Siguiendo con las bandas mexicanas de calidad y de épocas avanderescas llega la Revolución de Emiliano Zapata, mejor conocidos como “La Revo”. En una época donde el rock en nuestro país era satanizado y sofocado por los medios masivos, un puñado de bandas se hicieron notar sin importarles los obstáculos o que no existieran espacios donde pudieran darse a conocer o simplemente hacer sus tocadas. Uno de estos grupos es La Revolución, una banda fuertemente influenciada por los grupos ingleses y más aún por bandas americanas de la costa oeste californiana.

El origen del grupo se remonta a 1970 en la ciudad de Guadalajara, cuando 5 amigos y vecinos de toda la vida deciden juntarse a tocar solo por el gusto de hacerlo sin imaginar el éxito que tendrían a corto plazo. La formación original de la banda era: Oscar Rojas en la voz, Carlos Ramos en la guitarra líder, Javier Martín del Campo en la de acompañamiento, piano y flauta, Francisco Ornelas al bajo y Antonio Carbajal en la batería. Con esta alineación iniciaron como cualquier banda tocando en las fiestas de amigos y conocidos, gracias a otra banda tapatía – Los Spiders – lograron conseguir más tocadas pues estos los recomendaban, pero lo que verdaderamente logró catapultarlos hacia la fama fue su participación en un concurso organizado por la emisora Cinco Ondas de Alegría, el cual ganaron por un muy buen margen de votos y como premio recibirían el ser contactados con algún sello discográfico de renombre. Inmediatamente empezaron a ofrecerles firmar con distintas casas disqueras pero para el grupo esta no era su prioridad, sin embargo llegaría un representante del sello Polydor que finalmente los convencería de firmar. A partir de ese momento todo cambió para el grupo, llegarían las giras y apariciones en estaciones de radio y en la televisión y con esto la presión de vivir como una banda que hace de la música su vida pero también un negocio. El grupo se movió al D.F., lo que para muchas bandas sería un sueño cumplido para la Revo no fue tan agradable pues nunca terminaron por adaptarse al ritmo de la ciudad, al grado que el vocalista un día de plano se fue del depa donde vivían y ensayaban y abandonó la banda. A pesar de todo esto comenzaron a grabar y en el ‘70 lanzan el clásico Nasty Sex que incluía en la cara B la rola Still Don’t (Not Yet) que de inmediato se convirtió en un éxito no solo en el país sino fuera del mismo, sobretodo en Europa. En un hecho sin precedentes la banda se hizo acreedora a un reconocimiento por parte de la disquera - pero de la matriz ubicada en Alemania – debido al gran éxito y nivel de ventas alcanzado en E.U., Inglaterra y resto de Europa de su sencillo Nasty Sex. Llegó 1971 y lanzan su primer LP, un album homónimo de gran calidad y muy cotizado en el mercado de coleccionistas, en septiembre del mismo año se llevaría a cabo el festival de Avándaro, la banda fue invitada a tocar pero lamentablemente no pudieron asistir debido a los compromisos que ya tenían adquiridos en ese momento, incluida la participación en la película La Verdadera Vocación de Magdalena, convirtiéndose de esta manera en los grandes ausentes del evento pues muy probablemente en ese momento la Revolución era la banda más importante de la escena rockera nacional. En 1972 grabaron su segundo LP titulado Hoy, otro excelente disco con canciones bastante interesantes, posteriormente grabarían el EP Congore Tumbero a la Mar y de ahí en adelante comenzó la declive del grupo al cambiar el concepto del mismo derivando en problemas internos y la salida del vocalista Oscar Rojas, el cambio comenzó con el disco La Nueva Onda de la Revolución de Emiliano Zapata ya con nuevos integrantes y nueva instrumentación. Lamentablemente el grupo terminaría tocando baladas románticas y cumbias, terminando así con la historia dentro del rock de La Revolución y convirtiéndose en los grandes "traidores del rock nacional.

Musicalmente hablando el grupo estaba influenciado principalmente por el acid rock californiano de la época representado por grupos como Kak-Kak, Moby Grape y Grateful Dead en sus primeras grabaciones, lo que resulta en un sonido similar a las bandas de la costa oeste de E.U. pero adquiriendo un estilo muy particular donde mezclaban el rock ácido con la psicodelia de la época y uno que otro toque de blues. El disco abre con la mencionada Nasty Sex, una excelente canción de tintes blueseros y que contiene un diálogo entre las dos guitarras que aunque nada complicadas si son bastante agradables y pegajosas, la guitarra líder suena muy bien en esta y todas las rolas del disco adquiriendo cierto protagonismo y a pesar de que las líneas son muy básicas y sencillas el sentimiento, la distorsión y las melodías son muy buenas. Le sigue otra muy buena rolita titulada Melynda, con un intro bastante bueno aunque el vocal suena algo desafinado y los coros todavía peor, pero las guitarras fuzz que no dejan de sonar en toda la rola levantan la canción. Le sigue I Wanna Know una canción mucho más tranquila de aires progresivos sin mucho que resaltar, If You Want It es otra canción con mucho poder en la guitarra y de aires psicodélicos, el solo y el estilo del guitarrista sigue sonando muy bien. Luego de esto llega una de las mejores rolas: la psicodélica Shit City o la Ciudad Perdida -como la llamaron en México- con memorables riffs en la guitarra y un ritmo trepidante difícil de encontrar en bandas mexicanas de esa época, la rola por si sola es una joya y una rareza de nuestro rock, por supuesto el guitarrista se lleva la canción aunque esta bastante bien soportado por el bataco. A King’s Talk es una rola mediana rayando en lo malo pues el ritmo es monótono, sin una melodía atractiva y los cambios de ritmo no son tan buenos, tal vez quisieron experimentar demasiado pero en esta rola no les fue bien. Le sigue Still Don’t (Not Yet), con un título bastante ridículo y sin sentido gramatical, pero la rola es bastante buena y de nuevo con aires californianos, una excelente pieza de rock donde destaca el intro de bajo con púa en mano y como en las otras rolas los riffs y el solo del guitarrista son muy buenos. At The Foot Of The Montain es otra rola tranquila de aires folk donde el vocal suena bien pero los coros son muy malos, buena melodía y agradable solo de flauta. La última canción es Under Heaven, una rolita muy buena con excelente melodía y de nueva cuenta muy buena participación del guitarrista, que por cierto creo que es uno de los grandes olvidados de la música mexicana pues solo se habla de Santana o Bátiz pero este guitarrista es bastante bueno. Este disco es definitivamente uno de los mejores en la historia de nuestro rock, bastante recomendable y con rolas que lo hacen imprescindible y codiciado por muchos coleccionistas. Una pequeña muestra del rock que se hacía en nuestro país en los 70’s y de su calidad que lo convierte en objeto de exportación. Este disco fue editado originalmente por Polydor Records en 1971 en acetato obviamente, en 1993 salió un cd para Rock ‘N Roll Circus y en una labor bastante admirable el ya desaparecido sello mexicano Manicomio reeditó este disco junto a otros más en 1999, otra edición salió en 2006 por el sello Dinamic Italy. La malo de la reedición de Manicomio es que el arte del cd es el del segundo LP de la Revolución.

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