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Tommy James & The Shondells – Anthology

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Tommy James and The Shondelles siempre fueron un grupo subvaluado, aún cuando alcanzaron su mayor éxito en 1966 y ‘67 y Tommy fue uno de los mejores compositores de la época, muchos críticos desestimaron sus composiciones diciendo que su música era insignificante e irrelevante, pero en realidad Tommy y su banda eran músicos innovadores con un sonido sofisticado y por lo visto el público opinaba distinto a los críticos. La música de Tommy James sigue igual de vigente que 4 décadas atrás, sus canciones están arraigadas a la cultura moderna y es difícil no haber escuchado mínimo el Hanky Panky y versiones nuevas de esta canción.

Tommy James (nacido Thomas Jackson) formó su primer banda a la corta edad de 12 años, la banda se llamó The Tornadoes y empezó tocando en Michigan y lugares cercanos, haciéndose de un buen número de seguidores. En 1964 un DJ local le pidió a Tommy y la banda firmar con su sello Snap Records, estos aceptaron y grabaron un obscuro tema compuesto por Jeff Berry y Elli Greenwich titulado Hanky Panky, la banda cambió su nombre por The Shondelles y lanzaron la canción como sencillo, de inmediato se convirtió en un hit local pero no logró consolidarse a nivel nacional y pronto fue olvidado. Sorprendentemente, dos años después el sencillo fue encontrado por un DJ de Pittsburg en una caja de discos y lo tocó en sus bailes de fin de semana, la respuesta fue tan abrumadora que las estaciones de radio comenzaron a circular el disco y un distribuidor hizo una copia de contrabando vendiendo 80,000 copias en 10 días. Para mayo del ‘66 Hanky Panky era el disco número 1 en Pittsburg y Tommy James era la sensación del momento, de inmediato fue localizado para invitarlo a presentarse en vivo y al verse imposibilitado de reunir a la banda original Tommy James fue solo y contrató un grupo local para hacerse pasar por los Shondelles. Dos semanas después Tommy y su nueva banda estaban firmando con Roulette Records en New York y el Hanky Panky se volvió el mayor éxito del verano del ‘66. Este fue seguido por otros dos singles que se vendieron por millones: Say I Am (What I Am) y It’s Only Love, además del LP Hanky Panky que fue disco de Oro solo cuatro semanas después de su lanzamiento. Al poco tiempo Tommy añadió dos piezas más al equipo, los productores Bo Gentry y Ritchie Cordell junto a quienes en los siguientes dos años grabó otros siete singles que fueron Oro: I Think We’re Alone Now, Mirage, I Like The Way, Gettin’ Togheter, Out Of The Blue, Get Out Now y Mony Mony. Además de los singles el equipo de Tommy James le produjo otros tres discos que se convirtieron en Platino: I Think We’re Alone Now, Something Special y Mony Mony.

En 1968 Tommy James y los Shondelles fueron de los primeros en experimentar con los videos musicales de sus éxitos, haciendo una mini-película sobre Mony Mony, aunque habría que aclarar que los Beatles ya lo habían hecho 3 años antes en la época que comprende el Beatles For Sale, Help! y Rubber Soul; que fue cuando se cansaron de dar conciertos y comenzaron a grabar videos para mandarlos a los shows televisivos en lugar de presentarse en vivo. Volviendo a los Shondelles luego de tres meses de estar en campaña junto al entonces vicepresidente Hubert Humprey (que se postuló para presidente), Tommy James y compañía volvieron a lo que sabían hacer para componer y producir el que sería su siguiente album, el innovador Crimson And Clover. Lanzado a inicios de 1969 el album fue multi-platino y generó otros tres éxitos arrasadores del grupo: Crimson And Clover, Do Something To Me y Crystal Blue Persuasion. En 1970 Tommy James y The Shondelles lanzaron Travelin’, otro album de ventas millonarias y después de cuatro años agitados Tommy y la banda decidieron darse un tiempo libre. Cuando regresó lo hizo como solista colocando tres albums en el Top 40, poco después dejó su disquera para cambiar dos o tres veces más. Para mediados de los 80 las canciones de Tommy James ya eran clásicos y eran covereadas alrededor del mundo.

Tommy James And The Shondelles, Anthology

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Fuente: tommyjames.com

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The Animals – The Complete Animals

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Para seguir con los Animals, les dejo The Complete Animals, una colección de canciones remasterizadas de la banda liderada por Eric Burdon, algunos de sus más grandes éxitos y otras son canciones previamente grabadas y que nunca fueron lanzadas. En realidad el título hace alusión a las sesiones completas que los Animals grabaron bajo el mando de Mickie Most entre 1965 y 1966. Como decía, el contenido del album nos muestra a los Animals en su mejor etapa y por ende incluye la mayoría de sus mejores temas como House Of The Rising Sun, Bring It Home To Me, We Gotta Get Out Of This Place, It’s My Life, I’m Crying y Boom Boom, entre otras. La mayoría del resto de las canciones no son igual de buenas que sus grandes éxitos, sin embargo son temas sólidos y algunos son covers de intérpretes como Fats Domino y Chuck Berry, aunque no tienen la vigencia de versiones como las de los Stones o los Yarbirds; también se incluyen otras canciones que los Animals produjeron pero que se han perdido en el olvido como I’m Mad Again de John Lee Hooker, Worried Life Blues y Bury My Body. Luego de dejar a Mickie Most, los Animals se mantuvieron a tope durante otro año o poco más, a pesar de la salida del grupo de uno de los mejores organistas de la historia del rock: Alan Price (por las razones ya expuestas en el post anterior de los Animals). Esta compilación incluye entonces todo el trabajo de Alan Price con The Animals incluyendo cuatro cortes inéditos y una versión distinta de I’m Gonna Change The World. Gracias a Wirtis del Garage Latino por compartir esta colección.

The Animals, Complete Animals Cd 1

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The Animals, Complete Animals Cd 2

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The Zombies – The DECCA Stereo Anthology

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Luego de escuchar y escuchar a los Zombies he llegado a la conclusión de que eran de esos genios que se adelantan a su tiempo, genios incomprendidos que no son valorados en su época y que lamentablemente solo con el pasar de los años su trabajo es reconocido como lo merece. Los Zombies fueron una banda de pop británica surgida a inicios de los 60 en St. Albans, Colin Blunstone en la voz, Paul Atkinson en la guitarra, Rod Argent en el piano y órgano, Chris White al bajo y Hugh Gundry en la batería conformaban esta extraordinaria banda inglesa. En sus inicios, se dedicaban –como la mayoría de las bandas– a tocar covers de los viejos rocanroles de los 50, ya para inicios de los sesenta se presentaban en varios lugares y contaban con buen número de seguidores, pero lo bueno llegó en 1963 cuando ganaron un concurso de talentos que ofrecía como premio una grabación en los estudios de la British Decca Records, filial inglesa de la Decca. Un productor de nombre Ken Jones quedó impresionado con una composición del teclista titulada She’s Not There, la cual de inmediato fue lanzada en 45’ con Summertime en la cara B junto a uno de mis temas favoritos: You Make Me Feel Good, el cual llegó al puesto número 2 en USA. El éxito parecía tocar a la puerta.

Aprovechando el éxito de su primer single los Zombies lanzan Leave Me Be y Tell Her No sin mucha repercusión en UK, no así en USA donde fueron bien recibidos, lo que les valió lanzarse a una gira donde tuvieron bastante éxito. De regreso a su natal Inglaterra se encuentran con que lo de ese momento era el beat y por supuesto, con el innegable reinado de los Beatles en las listas de popularidad, amén de la influencia que tenían y el sinfín de bandas que surgieron de la ola inglesa. Luego del relativo éxito que representaron sus primeros singles, los Zombies tuvieron una muy mala racha, lanzando 8 ep’s en fila pero perdiendo una buena cantidad de dinero y sin el apoyo incondicional de la disquera, aún así la banda logró editar un disco más que fue lanzado en el verano del amor (del ‘67) y luego se retiraron, tristemente los Zombies se dieron cuenta de que el lugar que a duras penas se habían ganado, rápidamente se les iba de entre las manos y aunque siguieron editando algunos singles, estos pasaron desapercibidos, incluso en USA. A la luz de los pobres resultados, los Zombies decidieron dejarlo por la paz ese mismo año no sin antes grabar su segundo disco, o más bien su primero en forma, ya que el que habían grabado para Decca en realidad era una recopilación de sus singles, por lo tanto firmaron con CBS/Columbia para grabar un solo album, el cual estaban decididos a grabar a su manera y en vista de que sería su último trabajo pidieron control total dentro el estudio, la CBS aceptó y los Zombies entraron a los míticos estudios Abbey Road para desarrollar todo su potencial y dejar un legado para la posteridad, el LP Odessey And Oracle.

El teclista Rod Argent siempre fue el genio y líder de la banda, sin embargo la mitad de las canciones del grupo (algunas muy buenas) fueron escritas por el bajista Chris White, por su parte Colin Blunstone contribuyó con su fantástica voz de blanco pero con pequeños matices de soul, logrando bellas armonías vocales junto a Argent. A pesar de todos estos atributos el grupo no contaba con un solista que se robara el show y se apoyaban en su excelente sección rítmica, aparentemente esto no era suficiente para los rockeros de aquellas épocas que ya estaban aburridos de los grupos de adolescentes de prepa intentando tocar R&B, quizá la banda hubiera salvado su imagen orinándose en una estación de gasolina, ala Stones. A pesar del bajo presupuesto el disco Odessey And Oracle fue cuidadosamente producido por ellos mismos pero fue un fracaso total, de hecho no fue lanzado en USA hasta que meses después Al Kooper lo escuchó en intervino para que se introdujera a USA. De alguna manera el single que se desprendió de aquel album –Time Of The Season– lenta pero inexorablemente se convirtió en una gran éxito casi un año después de que el grupo se había separado y por extraño que parezca el album Odessey And Oracle se convirtió en uno de los mejores albums de los sesenta. Para algunos –me incluyo– los Zombies son la segunda banda de la invasión inglesa más sofisticada en cuanto a arreglos, armonías y letras se refier; solo por debajo del nivel de los Beatles, a diferencia de bandas como los Yarbirds o los Kinks –en esa época– los Zombies sabían más sobre tonos y modulación y definitivamente sobre arreglos musicales.

The Zombies, The DECCA Stereo Anthology 1

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The Zombies, The DECCA Stereo Anthology 2

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Fuente: warr.org, nodo50.org

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The Animals – Retrospective

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The Animals son una de las bandas más importantes procedentes de la escena del R&B de Inglaterra que surgió a principios de los 60, solo los Rolling Stones iban adelante de los Animals de toda la camada de la ola inglesa que fundamentó su sonido en el R&B. The Animals tiene su origen en una banda llamada The Kansas City Five, donde destacaban el pianista Alan Price, el baterista John Steel y el vocal Eric Burdon. Luego de algunos cambios y de que Burdon se fue un tiempo a Londres, los demás formaron parte de The Kontours, luego formaron The Alan Price Combo con Price, Steel y Bryan “Chass” Chandler, finalmente Eric Burdon regresó a Newcastle para unirse a la banda y el último miembro en unirse fue el guitarrista Hilton Valentine, quien llegó justo a tiempo para lanzar el primer EP producido por ellos mismos y bajo el nuevo nombre de la banda: The Animals. Los Animals rápidamente empezaron a ganar fama y llamaron la atención de Graham Bond quien los recomendó con el empresario Giorgio Gomeslky y subsecuentemente firmaron para Mickie Most, un productor independiente quien les aseguró un contrato con Columbia. En febrero de 1964 grabaron su single debut para Columbia, Baby Let Me Take You Home es una gran rola que alcanzó el puesto 21 en los charts de Inglaterra. Su siguiente single fue la que es seguramente su canción más emblemática: House Of The Rising Sun, y aunque por mucho tiempo se les acusó de habérsela “robado” a Bob Dylan, en verdad la canción fue cortesía de Josh Wite (al igual que su primer single) sin embargo fue arreglada por los Animals, con el nuevo riff por parte de Valentine y el acompañamiento en el órgano de Price, House Of The Rising Sun se fue directo al tope de los charts en UK ese verano. Aprovechando la inercia de los éxitos que estaban cosechando, los Animals grabaron su primer long play homónimo. Su tercer single, I’m Crying llegó al puesto número 8, la banda logró entonces un envidiable récord de éxitos en el Top Ten, incluyendo Don’t Let Me Be Missunderstood y We Gotta Get Out Of This Place, junto con su segundo album, Animal Tracks.

En mayo de 1965, justo después de grabar We Gotta Get Out Of This Place, Alan Price deja la banda alegando tener miedo a volar, años más tarde las biografías del grupo indican que la verdadera razón por la que dejó la banda fue porque cuando grabaron House Of The Rising Sun con sus arreglos, les fue aconsejado que solo uno apareciera para los derechos de autor, Price fue el afortunado y quedó en repartir las ganancias a sus compañeros, a medida que el dinero comenzó a llegar este no fue repartido y de repente Alan Price tuvo miedo a volar y dejó la banda. Otra posible razón es que la creciente rivalidad entre Price y Burdon por liderar la banda se hizo cada vez más grande y por esta razón Price prefirió salir, a fin de cuentas de fue reemplazado con Dave Rowberry. Entretanto, la banda se encontraba cada vez menos satisfecha con lo que estaban grabando , para su gusto las canciones eran demasiado comerciales, no proyectaban la imagen del grupo y no les agradaban, aún cuando tuvieran éxito. La canción It’s My Life provocó la ruptura entre los Animals y su manager así como con EMI Records, se integraron a Decca/London Record y resurgieron con un sonido más poderoso y salvaje en su primer LP con su nueva disquera: Animalisms, lastimosamente luego de su grabación John Steel dejaría la banda y fue reemplazado con Barry Jenkins, Chandler se fue a mediados del ‘66 luego de grabar Don’t Bring Me Down y Valentine permaneció hasta finales del ‘66, pero prácticamente 1966 marcó el fin de los Animals.

En 1967, Eric Burdon intentó reformar la banda bajo el nombre de Eric Burdon and The New Animals, tuvo canciones de éxito moderado como When I Was Young, Monterey y San Franciscan Nights, dando un nuevo aire al grupo en plena época de la psicodelia y el verano del amor. Este grupo lo formaban, aparte del propio Burdon, Barry Jenkins (batería), John Weider (guitarra y violín), Danny McCulloch (bajo) y Vic Briggs (guitarra). Una formación que sufriría múltiples cambios a finales de 1968, cuando Briggs y McCulloch abandonan la formación y fueron sustituidos por Zoot Money y por el guitarrista Andy Summers (integrante en años posteriores de The Police). En 1969 publicarían un doble álbum llamado Love, con su último éxito: Sky Pilot. Eric Burdon dio fin a esta banda a finales de 1969, en los setenta conoció a los angelinos de WAR y quedó encantado con ellos, por lo que se les unió por un tiempo. Los miembros originales de la banda se volvieron a reunir en 1977 para grabar Before We Were So Rudely Interrupted y en 1983 lo hicieron para los discos Ark y Rip It to Shreds. En 1994, entraron al Salón de la Fama del Rock and Roll, poco después, en julio de 1996, el bajista de la primera formación, Chas Chandler, falleció.

The Animals, Retrospective

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Fuente: All Music Guide, Wikipedia

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V.A. – DIY: Come Out And Play-American Power Pop I (1975-78)

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D.I.Y. Come Out And Play - Back

Para seguir en la línea del power pop y los compilados que existen en honor al nacimiento de este género, hoy les dejo uno que forma parte de la serie D.I.Y. de Rhino, para los que se pregunten que es DIY no es otra cosa que las iniciales de Do It Yourself, en referencia a las bandas que hacían las cosas solos, bandas independientes. Aunque wikipedia lo define un poco más extenso, en pocas palabras es un término que puede aplicar a cualquier ámbito, no solo al musical, el punto es hacer las cosas tu mismo. Come Out And Play forma parte de una serie de 9 compilaciones que abarcan a grandes rasgos el pop, rock, power pop, punk y new wave, representados por distintas bandas de USA e Inglaterra, la mayoría entre el ‘75 y principios de los ochenta.

Desde un principio el power pop se vio beneficiado por la explosión del punk aunque le debe igual al rock & roll y pop que al punk y hasta cierto punto es el cruce perfecto entre estos géneros al combinar ritmos y melodías de los dos primeros y la energía del último. A partir del nacimiento de bandas como The Ramones, las bandas de power pop guitarreras comenzaron a ser más conocidas y a gozar de una audiencia más amplia. El contenido de Come Out And Play comparte en cierta proporción el mismo espíritu y energía del punk, sobretodo porque muchas de las bandas incluidas en esta colección se aferraron tenazmente a editar sus discos de forma independiente así como a hacer giras por su cuenta. En este disco no hay hits ni números 1 en listas de popularidad, la canción más valorada en esa época fue Southern Girls de Cheap Trick (obviamente no es la más conocida de Cheap Trick), pero eso no quiere decir que esta sea una colección de canciones de perdedores y mediocres, por el contrario la mayoría de las canciones de este album –sino es que todas– fueron la base para la primer ola de power pop y muchos de las bandas y solistas incluidos se han convertidos en verdaderas leyendas del género en los círculos de coleccionistas. De que bandas estamos hablando? The Nerves, The Flamin’ Groovies, The Paley Brothers, Artful Dodger, Chris Bell, Fotomaker, entre otros. Como resultado, Come Out And Play sirve como una excelente introducción al mundo del power pop (aunque algunas canciones son muy suaves), si bien en mi opinión no son las canciones más representativas y como en todo compilado no son todos los que están ni están todos los que son, si es un buen punto de partida para adentrarse en el maravilloso sonido de las bandas de power pop.

V.A., DIY: Come Out And Play-American Power Pop (1975-78)

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Fuente: All Music Guide

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V.A. – Titan: It’s All Pop!

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No es extraño que cuando se habla de power pop ultramelódico de finales de los 70, muchos aficionados declaren auténtico fervor por el sello Titan Records, institución legendaria que fue el paradigma de como con pocos medios se podía crear la mejor música. Esta discográfica de Kansas City, surgida por pura afición a la música de dos compulsivos coleccionistas de discos: Tom Sorrells y Mark Prellberg, tuvo su auge durante un corto, pero fructífero período de tiempo. Todo ocurrió entre1978 y 1981, época en la que fabricaban más discos de los que podían vender, grababan más canciones de las que podían publicar y hacían más posters de los que podían distribuir. Este lapso de tiempo, transcurrió entonces, sin pena ni gloria, pero años mas tarde fue cuando empezaron a surgir fans por todos los puntos cardinales del planeta, desde USA hasta Japón, pasando por Europa. En 1980 se publicó un LP recopilatorio llamado Just Another Pop Album: The Titan Sampler, que con el paso de los años se ha llegado a convertir en mítico y, quizás, la mejor recopilación del género que se ha hecho, en la que se imprime un sonido y un carácter único y personal en el que destaca sobre todo lo demás, el aluvión de voces de seductora melodía. Tan sólo cuatro bandas tomaban parte en este LP recopilatorio, pero Titan Records era mucho más. Era una impresionante conjunción de talentos, aunque un tanto endogámica por el intercambio de componentes de una banda a otra.

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Titan Records probablemente sea la disquera más olvidada de los setenta, sin embargo los especialistas de Numero Group se han encargado de darle una revisada al catálogo de la desaparecida disquera de Kansas. It’s All Pop es una colección de 42 temas –que prácticamente es todo el catálogo de la disquera entre 1978 y 1981– divididos en 2 cd’s, a excepción de algo de Gary Charlson (lanzado más tarde), muchas cosas se quedaron enlatadas en la disquera y ahora ven la luz. Durante su corta existencia, Titan Records solo editó un puñado de singles y un par de LP’s, a pesar de que el nivel de lo que estaban grabando estaba por encima de lo que había en los charts. A pesar de la calidad de los temas de sus artistas, la disquera Titan nunca pudo despegar, quizás se quedaba corta en dinero, experiencia y conexiones pero lo que no faltaba era talento. Un claro ejemplo de esto es el talentoso Gary Charlson, de quien fue el primer disco grabado en Titan Records, además contribuyó en los singles de Arlis! y Gems e incluso tocó la guitarra en 2 de los 3 temas de J.P. McClain And The Intruders que se incluyen en Just Another Pop Album.

Otro ejemplo del talento con que contaba la disquera son los Boys americanos, también conocidos como The Boys (USA) para no ser confundidos con los ingleses. De hecho ellos ya habían lanzado dos 45’s con Outrage Records antes de ser fichados por Titan, en noviembre de 1979 sacaron un single que incluye una de las mejores canciones que he escuchado en toda mi vida: (Baby) It’s You, en la cara B se encontraba Bad Little Girl, y aunque quizá su sonido pudo haber sido algo fuera de lo común, incluso para la radio, los discos se vendieron como pan caliente, a final de cuentas firmar a los Boys fue una de las mejores decisiones tomadas por la disquera. El mismo Danny Shonerd (guitarrista y compositor de la banda) dice sobre su música: “era la forma en la que nos gustaba tocar, fuerte y enérgico. Power pop era un termino del que nadie había oído hablar en aquel momento. No fuimos aceptados en nuestro tiempo y la industria no entendía lo que hacíamos”.

A pesar del éxito de los Boys americanos, el final de la disquera estaba cerca. El LP de 1980 Just Another Pop Album (que incluía material de Arlis!, Gary Charlson, J.P. McCalin And The Intruders y 3 temas de The Boys) también se vendió bastante bien –considerando el historial de la disquera– y el tema de Arlis! I Wanna Be fue una bomba, los desacuerdos con Gary Charlson por su album Real Live Gary no se hicieron esperar y la relación se dañó para siempre, para finales de 1981 Titan estaba llegando a su fin. Les dejo una pequeña muestra del power pop setentero que se grababa en la Titan Records.

V.A., Titan: It’s All Pop (Fave Side)

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V.A., Titan: It’s All Pop (Rave Side)

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Fuente: powerpopaction.com, victimoftime.com

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The Beatles – Rubber Soul

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En 1965 los Beatles grabaron dos de sus mejores albums de estudio: Help! y Rubber Soul, este último fue la antesala para entrar de lleno a la psicodelia con el Revolver y es considerado por muchos fans y críticos como uno de los mejores de la discografía del cuarteto de Liverpool. Contrario a lo que se puede pensar, el disco fue grabado en un período de tan solo cuatro semanas!! suficientes para dejar una joya pop que incluso hoy en día sigue sonando bastante bien, el tiempo de grabación se acortó debido a que querían aprovechar el mercado navideño para lanzarlo a la venta, por lo que el disco fue lanzado el 3 de diciembre del glorioso ‘65, el productor fue George Martin (quien más?) y es recordado entre otras cosas por contribuir con el piano de la melancólica In My Life.

Rubber Soul es la clara muestra del grado de sofisticación que alcanzó el pop en ese año, por supuesto los Beatles fueron la punta de lanza y dieron el primer paso hacia un nuevo tipo de música pues antes de este disco la música popular era un tanto más simple y llana, este fue el primer paso hacia lo progresivo (aunque luego algunos grupos exageraron), no por nada la revista Rolling Stone lo tiene dentro de los discos más importantes de la historia del rock y ha sido inspiración de muchos músicos, un claro ejemplo es Brian Wilson (el cerebro de los Beach Boys) quien quedó tan impactado con el nuevo sonido de los Beatles, que un año después el mismo Wilson junto a los Beach Boys sacó otro joya del pop: el Pet Sounds, que a su vez “obligó” a los Beatles a hacer algo mejor y lanzaron el Sgt. Pepper’s, pero esa es otra historia. Volviendo al disco, sin duda que es de lo mejor de los Beatles, aun cuando seguían empeñados en cantarle al amor sus letras seguían siendo cada vez más complejas y ambiguas, mientras que la música, los arreglos y las técnicas en el estudio seguían mejorando cada vez más, no obstante que Lennon seguía reflejando la influencia de Dylan en sus canciones estas eran demasiado buenas. De la mano de George Martin, los Beatles empezaron a ampliar los parámetros convencionales que existían en ese año, desde la cítara en Nowergian Wood, el fuzz que utiliza McCartney en el bajo de Think For Yourself y el piano de In My Life, sin dejar de lado el magnífico trabajo vocal en Michelle y Girl. Como decía, a pesar de que aún se podía sentir “algo” de Dylan en algunas canciones de los Beatles, a estas alturas la dupla Lennon/McCartney comenzó a ser solo una referencia para los derechos de autor pues cada quien estaba encontrando su propia identidad como compositor, incluso el mismo George Harrison.

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Rubber Soul es un gran album, lleno de muy buenas canciones y de hecho resulta extraño que si lo escuchas inmediatamente después de Help! se sienten como dos discos muy distintos, caso distinto al Revolver, incluso el mismo Harrison dijo que “el Rubber Soul y Revolver pudieron haber sido como el volumen 1 y volumen 2” y tenía razón, la pregunta es: que pasó entre Help! y Rubber Soul ya que solo dos meses separaron las grabaciones de un disco y otro, lo más probable es que haya sido el LSD. Incluso la portada del album también fue novedosa, el nombre del album hace referencia a una frase que los negros utilizaban para referirse a Mick Jagger y quizá a más de un músico blanco haciendo covers de sus canciones, dicha frase era “plastic soul man, plastic soul”, luego los Beatles fueron al estudio a tomarse fotos para la portada y mientras se las mostraban esta se resbaló quedando inclinada, se voltearon a ver y dijeron: “that’s it, Rubber Soul”. Aunque este es un disco sin desperdicio, mis favoritas son Drive My Car, una canción impresionante de Paul McCartney, desde el riff inicial hasta el último acorde, pasando por los arreglos sutiles de piano y el incesante ritmo de Starr. Otra de las favoritas es Nowergian Wood (This Bird Has Flown) una canción de Lennon que aparentemente habla sobre una infidelidad, la canción cobra importancia por ser la primera en utilizar una cítara en un album grabado de este lado del mundo (poco después lo harían los Stones), por supuesto este instrumento estuvo a cargo de Harrison. Nowhere Man es simple y sencillamente poesía por parte de Lennon, además de tener una de las letras más bellas es también en términos de armonías vocales uno de los mejores trabajos por parte de Lennon-McCartney-Harrison. In My Life es otra de esas canciones que se quedan en la memoria, una canción nostálgica y autobiográfica por parte de John Lennon quien a lo largo de la canción habla sobre los lugares y las personas que había conocido, algunos recuerdos permanecían y otros se habían borrado y todos esos lugares tenían sus momentos con amantes y amigos que recuerda (algunos vivos y otros ya habían muerto, como Stuart Sutcliffe) pero sin duda a todos los amó. La letra de esta canción esta escrita en una de las paredes de lo que fue la Caverna, y como dato esta la siempre atinada colaboración de George Martin quien tocó su piano estilo barroco que fue grabado y reproducido al doble de velocidad en la toma final para darle ese efecto de piano forte. Aunque Wait fue una canción de relleno para este disco(originalmente pensada para el Help!) a mi me parece una canción genial, con muy buena sección rítmica, una clásica canción guitarrera con mucha más energía que alguna de sus contemporáneas. If I Needed Someone es una canción de Harrison inspirada por los Byrds (extraño, ya que ellos se inspiraron primero en los Beatles, en especial en Harrison y su Rickenbacker) donde ya puede oírse el característico sonido de las composiciones de George Harrison, la guitarra con la que toca era su Rickenbacker de 12 cuerdas. Otras muy buenas rolas son The Word y You Won’t See Me. George Martin se refirió alguna vez al Rubber Soul como "el primer album que presentó a unos nuevos y crecientes Beatles al mundo. Por primera vez empezamos a pensar en los álbumes como entidades completas, como arte en si mismos".

The Beatles, Rubber Soul

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Fuente: wikipedia

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Georgie Fame – Get Away: The Very Best

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Georgie Fame es un aclamado músico británico de jazz y R&B, conocido principalmente por ser un virtuoso en los teclados, destacando en el órgano Hammond. A los 16 años llegó a un acuerdo de representación con Larry Parne, quien ya había descubierto otros artistas como Marty Wilde y Bill Fury. Fame fue pianista en una banda llamada The Blue Flames, que posteriormente se llamó "Georgie Fame and the Blue Flames". La banda tuvo un gran éxito incursionando en el rythm and blues. Uno de los músicos que actuó con Fame el 26 de diciembre de 1966 durante tres semanas en el "Fame in ’67 Show" en el londinense teatro Saville fue Cat Stevens, que en aquél momento solo había publicado su primer éxito, I Love My Dog.

El mayor éxito de Fame fue The Ballad Of Bonnie And Clyde, que en 1968 fue número uno en UK y número 7 en USA; tuvo también otro No. 1 en el Reino Unido en 1965 con Yeh Yeh y Get Away en 1966. Fame continuó tocando en los años setenta, teniendo un éxito con Rosetta, en 1971, la cual grabó con un amigo íntimo, Alan Price, ex-teclista de The Animals, luego de dicha colaboración trabajaron juntos por un tiempo. También estuvo de gira como uno de The Rythm Kings, con su amigo Bill Wyman, tocando el bajo. Desde primeros de los ochenta hasta 1997 con el álbum The Healing Game, Georgie Fame fue miembro de la banda de Van Morrison, así como su productor musical, tocando los teclados y cantando en temas como In the Days Before Rock 'n' Roll, aunque en esa época también hizo giras con su propio nombre. Fame ha tocado con frecuencia en clubs de jazz de modo residente, entre ellos el Ronnie Scott’s.

Georgie Fame and The Blue Flames fueron los únicos que actuaron invitados por el sello Motown en el Reino Unido cuando esta empresa hizo una visita a mediados de los años sesenta. Fame también ha colaborado con algunos de los músicos más exitosos del mundo, ha trabajado con Count Basie, Alan Price, Gene Vincent, Eddie Cochran, Eric Clapton, Muddy Waters, Joan Armatrading y la banda The Verve.

Georgie Fame and The Blue Flames, Get Away: The Very Best

Fuente: wikipedia

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The Action – The Ultimate! Action

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Originalmente llamados The Boys, The Action fue una excelente banda inglesa formada en 1964 que hacía una especia de pop psicodélico notablemente influenciado por el soul y el R&B. Reg King, Roger Powell, Mike Evans y Alan King fueron los miembros originales junto a Peter Watson quien se les unión poco después en el ‘64. Crecieron juntos, fueron a la escuela juntos y claro, hicieron música juntos, la evidencia del vínculo que los unía es la forma en que construían armonías vocales para sus canciones, la sensibilidad que le imprimían a los arreglos y la innovación y energía de su música, más adelante la formación original sufriría algunos cambios cuando se integraron Ian Whiterman en los teclados y Martin Stone en la guitarra, luego de la salida de Peter Watson. Poco tiempo después de su formación firmaron para Parlophone y grabaron para George Martin el single Land Of a Thousand Dances/In My Lonely Room, el cual fue bien recibido por la crítica pero mal recibido por el público, lo que se vio reflejado en bajas ventas, a pesar de la calidad de sus composiciones ninguna de sus temas logró colocarse en las listas de popularidad siendo I’ll Keep On Holding On la única en colarse alcanzando el puesto número 47 en 1965.

En cierto modo The Action fue la última banda mod que existió, ya que los mods odiaban las cosas “comerciales” y una vez que grupos como los Small Faces se volvieron populares de repente se convirtieron en popstars perseguidos por cientos de adolescentes que gritaban y lloraban por ellos, en ese mismo momento dejaron de ser sus ídolos. La otra cara de la moneda era The Action que –al igual que los mejores de sus contemporáneos– abarrotaba los clubs, sin embargo sus discos nunca se vendieron bien y eso los convertía en favoritos de los mods. Cuando la banda iba a tocar a Brighton, estos los esperaban a las afueras del pueblo y escoltaban su van montados en sus scooters como si los Action fueran una especie de héroes. Cabe señalar que muchas de las canciones de The Action son covers de sus intérpretes favoritos de soul y R&B, la mayoría fichados por el legendario sello Motown, el grupo tiene algunas composiciones originales pero probablemente ninguna es tan buena como sus covers. Luego de algo de inestabilidad Parlophone dejó ir a la banda, los tiempos cambiaron, los mods desaparecieron o se diversificaron y a partir de entonces comenzaron a tocar más orientados hacia un estilo de balada psicodélica mid-tempo y después algo de folk rock, Pete Watson dejó la banda y King quiso hacerla como solista, sacando un album en solitario –muy difícil de encontrar– para Universal Records en 1971. En 1969 la banda fue rebautizada como Mighty Baby y lo que quedó de ella tocó en el album de Alan King. Destacan canciones como Twenty Fourth Hour, con toques de soul así como una de sus primeras rolas: In My Lonely Room, dos canciones donde dejan ver sus influencias. Just Once In My Life es uno de los buenos covers de la banda, popularizada por los Righteous Brothers, es la clásica balada de coros altos, algunos opinan que esta versión es mejor a la de los Righteous que fue producida por Phil Spector. Something Has Hit Me es otra de las mejores canciones del grupo, con notables triples armonías vocales, los Action hacen gala de su pop orientado al soul, un poco más acelerada llega The Place, otra muy buena rola popera donde destaca el trabajo vocal. Otro de sus mejores logros fue el cover de The Impressions I Love You(Yeah!), por momentos alcanzando el mismo nivel de calidad en el falsetto y las armonías, un sonido simplemente genial. Por supuesto no podía faltar su versión de Land of a Thousand Dances –original de Chris Kenner y popularizada por Wilson Pickett– que no le pide nada a otras versiones.

The Action, Ultimate! Action

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Fuente: wikipedia, http://www.furious.com/Perfect/action.html

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The Beatles – Help!

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Help! es el quinto album de estudio de los Beatles, el cual fungió también como banda sonora para la película del mismo nombre. Este disco es uno de mis favoritos de la primer etapa beatle (antes de que llegara la psicodelia) ya que sus canciones son tremendamente pegajosas y “simples” (comparado con lo que vendría después) pero al mismo tiempo es pop de lo más sofisticado. El album (en su forma original británica) contiene siete canciones que aparecen en la película y otras siete que no, incluyendo una de las canciones más famosas de la historia, la arquetípica balada de Paul McCartney: Yesterday, incluso sin la presencia de esta legendaria y multicovereada canción, muchos críticos consideran al álbum Help! merecedor de grandes elogios (no es para menos). El álbum muestra a los Beatles, principalmente a John Lennon, bajo la influencia de Bob Dylan y la música folk en la gran You've Got To Hide Your Love Away. La canción que da título al álbum nos revela la confusión de John y su cinismo escondido bajo un laberinto de ritmos; It's Only Love es una de las canciones más dulces de Lennon donde nos presenta otro registro vocal.

McCartney aporta Yesterday, la cual tuvo su origen en un sueño según relata el mismo McCartney, un día despertó con la melodía en la cabeza y corrió al piano con grabadora en mano para grabarla antes de olvidarla, de hecho durante un buen tiempo Paul tenía la duda de si la melodía era alguna canción vieja que simplemente se le vino a la mente y tenía miedo de plagia la canción de alguien más, el mismo relata: “Durante cerca de un mes fui a ver gente del negocio de la música, preguntándoles si conocían esa melodía. Fue como si hubiera llevado algo encontrado a la policía. Pensé que si en unas semanas nadie lo reclamaba entonces sería mía". Another Girl es otra canción pop de ritmo rápido de McCartney donde nos muestra su habilidad para crear ganchos en las canciones; The Night Before un rock n’ roll estándar bastante decente al más puro estilo de los Beatles: buena melodía, excelentes armonías y estribillo pegajoso, por último McCartney aporta I've Just Seen A Face, una de las primeras canciones country rock (antes que apareciera Gram Parsons) donde puede notarse nuevamente la influencia de Bob Dylan. George Harrison contribuye con la sobria I Need You, sin duda una de las mejores composiciones de Harrison y donde puede escucharse el delay en su guitarra por primera vez, la letra esta dedicada a Pattie Boyd, la bella actriz que Harrison conoció en este filme y el anterior, a la postre Pattie se convertiría en su esposa y en la manzana de la discordia entre Harrison y uno de sus mejores amigos –o el mejor–, Eric Clapton, quien también deja fluir sus sentimientos hacia Pattie Boyd en el album Layla And Other Assorted Love Songs. You Like Me Too Much también forma parte del repertorio del beatle místico. Ticket To Ride es otra de esas joyas que hacían a los Beatles un grupo distinto, con una melodía y un estribillo pegajoso la canción de inmediato se convirtió en un éxito, aclamada aún hoy en día por los críticos de allmusic.com, que consideran la canción “psicológicamente más profunda que cualquier cosa que The Beatles hubieran grabado antes [...] extraordinaria en su tiempo, masiva con su constante guitarra eléctrica, su ritmo pesado y los retumbes del tom-tom en el piso”, destacan “las partes rítmicas de Ticket to Ride eran más duras y más pesadas de cualquier cosa que The Beatles hubiesen hecho antes, particularmente en Ringo Starr con esos tormentosos tartamudeos y redobles”. Con este disco los Beatles dejaron el camino abierto para una de sus obras maestras: Rubber Soul.

The Beatles, Help!

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Fuente: wikipedia

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Kitty, Daisy & Lewis – Kitty, Daisy & Lewis

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Kitty, Daisy & Lewis es la banda inglesa integrada por los hermanos Kitty, Lewis y Daisy Durham. Su música está fuertemente influenciada por el R&B, swing, country, blues y rock ‘n’ roll y su estilo se aproxima al Rockabilly Revival, al Country vintage y a la primera generación de blues. Sus principales referencias son los "tres Louis": Louis Jordan, Louis Prima y Louis Armstrong pero podrían nombrarse otros como Ray Charles, Muddy Watters, Elvis, Johnny Cash y Sam Cooke. Los tres hermanos se reparten los instrumentos y cambian sus papel de vocalista e instrumentalista en cada canción. Kitty Durham de16 –la más joven del grupo– normalmente canta y toca la harmónica, la batería o percusiones, el ukelele, banjo, trombón y la guitarra. Lewis (de 19) canta ocasionalmente y toca la guitarra, la guitarra lap steel, el piano, bajo, batería y percusiones. Por último Daisy (21 años) es la mayor del grupo, canta y toca la batería, el piano, el acordeón y el xilófono, ocasionalmente invitan a sus papás a tocar con ellos. Cabe destacar que no utilizan ningún formato digital en la grabación de sus canciones, todo se realiza de forma analógica: Lewis es un fanático de los vinilos y graba sus canciones en formatos totalmente obsoletos; esto y su afición por la música vintage le llevó a publicar una recopilación titulada A to Z - Kitty, Daisy & Lewis - The Roots of Rock 'n' Roll, el cual fue nombrado álbum del año 2007 por The Guardian (periódico británico).

Kitty, Daisy y Lewis fueron criados en una familia en la cual la música era parte de su día a día: su padre –Graeme Durham– es guitarrista e ingeniero en jefe en The Exchange Recordings, uno de los mejores estudios de grabación de Londres, mientras que su madre (Ingrid Weiss) tocaba la batería con el grupo punk The RainCoats. En el 2002, mientras asistían a una sesión de The Arlenes con sus padres, Lewis y Kitty fueron invitados a unirse a ellos en el banjo y en la percusión, respectivamente, tocando el tema Folsom Prison Bluesm, así surgió la idea de formar un grupo de música, Daisy aprendería más tarde a tocar el acordeón. Los hermanos demostraban gran talento y recordaban a una época pasada, no hacían música corriente, así que comenzaron a ser famosos en el mundillo del country en Inglaterra. Esto les llevó a grabar su primer single en su propio estudio en casa, Honolulu Rock, cuando Kitty tan solo tenía doce años, Lewis catorce y Daisy dieciséis. Un año más tarde, salió a la luz su segundo single, Mean Son of a Gun, el cual se publicó en un formato de 7 pulgadas a 45 rpm y una edicion limitada de 10 pulgadas a 78 rpm. El tercer single vino en Julio de 2008, Going Up the Country, como un prólogo a su primer disco, el cual salió a la venta poco después.

Kitty, Daisy & Lewis – Kitty, Daisy & Lewis

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Fuente: wikipedia

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